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lunes, 27 de marzo de 2017

Vanguardismo y Arte Contemporáneo: la percepción social del valor de una obra de arte

Vanguardismo y Arte Contemporáneo: la percepción social del valor de una obra de arte


«El arte se ve fatalmente amenazado por una sociedad que sólo se entusiasma por él en el salón de subastas, y cuya lógica abstracta despoja al mundo de su cualidad sensible.»



¿Qué determina el valor (o el precio) de una obra de arte? Te lo explicamos en este artículo.


Terry Eagleton
El avant-garde, o «arte de vanguardia», surgido a principios del pasado siglo, se nutría del rechazo y la crítica de las tradiciones con el propósito de trascender su tiempo histórico en una nueva creación. Este arte, revolucionario y rompedor, propio de la modernidad y, por tanto, afín a unos tiempos convulsos en que todo era posible, contrasta con la moda actual, o «arte posmoderno».

La transición desde el arte de vanguardia al arte posmoderno aparentemente preservó una actitud disidente, pero siempre en consonancia con su introducción al circuito de consumo cotidiano. Convertido en toda una subcultura, ahora lo crítico no es sino una moda o forma de vida en la que la actitud rebelde no encuentra discrepancia alguna con la falsa plenitud de una vida gozosa que preserva el orden de cosas establecido.

El hecho de que el arte posmoderno no aspire a superar la sociedad no significa que se baste de las convenciones del orden establecido para su producción, pues ésta más bien opera creando una falta a la sociedad que pretende suplir mediante su creación. No se trata de negar la sociedad como un todo holístico, sino abrir intersticios en ella, necesidades materiales o espirituales que deban ser ocupadas mediante la nueva obra.

Pero volviendo la vista a atrás a fin de establecer cierta comparación con respecto al desarrollo artístico vigente, cabe decir que, pese a tener una vocación de utopía social, el arte de vanguardia tendía a volverse una creación intimista, realizada por para el propio autor. Por el contrario, el arte posmoderno, al carecer de todo compromiso social, se halla despojado de cualquier voluntad idealista que trascienda el orden de las cosas establecido, es una creación en continua proyección al exterior: sólo cobra sentido al ser difundido y consumido.

Ello se explica por el hecho de que la creación artística, arrogada por los diseñadores industriales y las agencias de publicidad, deja de estar en manos de unos virtuosos para quienes la producción en masa de la obra de arte hubiese invalidado la propia condición artística: cada obra, si de considerarla como arte se trata, debiese ser singular y única. Atiéndase a la consideración por la cual el arte se asocia a lo sublime, y ello a lo excepcional.
El arte popular en que deviene la moda, con el pop art como exponente, nos dejó latas de sopa (Campbell’s) hasta en la sopa. La serigrafía, en efecto, es una técnica que tiene como principal característica la viabilidad en la reproducción. Del mismo modo, la moda, en su sentido amplio, alude a aquellas tendencias repetitivas, ya sea en el vestir, el consumir o, a fin de cuentas, el comportarse.

Así, si bien la vanguardia formaba parte de la «alta cultura», motivo de distinción, la moda como epifenómeno de la «cultura de masas» homogeneíza por naturaleza, perdiendo la abstracción que podía solicitar el arte durante las vanguardias y volviéndose un producto de los más mundano y secular: el arte pasó de los templos, en alusión a museos o teatros en que se llevaban a cabo actos de culto, a la pantalla de televisión, en la que cada comercial publicitario es en sí mismo toda una creación.

Cierto es que la moda en cuanto tal no constituye una nueva tipología de arte, a diferencia de las vanguardias que sí eran movimientos artísticos propios de un periodo determinado. A decir verdad, la moda es una alusión a las costumbres, no circunscritas al terreno artístico, que marcan alguna época o lugar específicos, por lo que podemos afirmar que la moda era algo, no ya contemporáneo a las vanguardias, sino mucho anterior a ellas.
Ocurre, sin embargo, que en la actualidad todo arte es moda. En el terreno artístico, la influencia de la posmodernidad hace que las tendencias no lo sean al modo de desarrollo de las vanguardias anteriores en las que existía un desarrollo progresivo en sintonía con un siglo social y tecnológicamente revolucionario, puesto que hoy por hoy las tendencias de la moda son, en muchas ocasiones, regresivas.

Rastreando el pasado para recuperar sus atributos, así como sondeando el futuro para anticiparse a sus epítetos, la moda establece un presente veleidoso e irresoluto que se sabe con fecha de caducidad: a diferencia del arte de vanguardia, reivindicado como punta de lanza de un proceso sociopolítico al que guiaba, el arte actual está concebido para desvanecerse, pues sólo creando tendencias transitorias y perecederas cumple el propósito de crear picos de consumo a cada nueva aparición.

Dicho de otro modo, el corto ciclo de la moda requiere de ventas instantáneas y en masa de artículos para un uso breve e intensivo de modo tal que lo novedoso sucede a lo kitsch a sabiendas de que tarde o temprano devendrá kitsch. Y teniendo el rédito económico por enjundia, las tendencias artísticas actuales son parciales y no ecuménicas, pues pretenden encontrar nichos de mercado que ocupar, para posteriormente volver a reinventar.

A tenor de ello resulta evidente que, mientras que el arte de vanguardia es el de las minorías que aspiran a llegar a las mayorías, el arte de moda es el de las mayorías que aspiran a volverse minorías. Y al no tener motivaciones, la moda busca influencias acá o acullá, qué más da: cómo puede el arte posmoderno acompañar la sociedad si es esencialmente escéptico con la existencia de una realidad objetiva y, consiguientemente, con la posibilidad de transformarla.

Y puesto que la posmodernidad no sólo no proporciona, sino que niega, los juicios sobre los elementos cualitativos, necesarios para definir la realidad social pero también la realidad de la obra artística bajo criterios de bueno o malobonito o feo, todo aquello que permanece como principio rector es la cantidad. El principio por el cual a cuantas más personas llegue el arte (cuanto más se venda) mejor será, hace de semejante arte un arte eminentemente trivial. Tal es la condición del arte de masas o popular.La obra que antes llegaba a reivindicarse, en algunas ocasiones, como un anti-arte, hoy toma forma de cualquier mojón concebido para (y asimilado por) el mercado artístico.

En cualquier caso,el proceso psicológico por el cual el mojón llega a concebirse como obra de arte radica en que la pieza carece de un valor por sí mismo y siempre se encuentra supeditada a un factor externo a su realidad, como, por ejemplo, la cotización que alcanza el autor en base a convencionalismos en harto grado cuestionables. De este modo, al igual que la publicidad no vende la pastilla de jabón sino la idea de belleza, el arte contemporáneo es propenso a ofrecerse como interfaz de un objeto, o incluso experiencia, esencialmente simbólico.

Pero un arte que, si bien se considera subjetivo y abierto a todo tipo de interpretación, requiere de un reconocimiento exterior es en sí mismo contradictorio. La obra de arte actual también puede considerarse un abigarrado de imágenes, sonidos y palabras presente en cualquier ámbito de nuestra cotidianidad. En tal caso la obra lo sería todo y, a su vez, no sería nada (la performance es aquella obra que, resistiéndose a entrar en el circuito comercial por el que circula el valor de cambio, es efímera por su propia idiosincrasia).

Parece ser que la vanguardia murió estrangulada por las anillas de plástico de los paquetes de latas de refresco y su cadáver fue sepultado bajo litros y litros de pintura plástica que, superponiendo un color sobre otro, llegaron a formar un túmulo que engendró la nueva obra de arte, nacida directamente del suelo y no de las flores que nacen de él. Quizá la finalidad última del arte no sea más que su falta de finalidad, por lo que, como crítica callada de la racionalidad instrumental y los valores de mercado, adquiere como finalidad en gagé la autonomía del valor, reverso de la utilidad capitalista.

            Genís Plana                                                                                                                                                   Fuente                                                              

     

Marchantes y coleccionistas de arte se dieron cita en TEFAF

Marchantes y coleccionistas de arte se dieron cita en TEFAF
                                 ARTE MODERNO también presente en TEFAF.

Los amantes de las expresiones artísticas de ayer y de hoy se dieron cita en Maastricht, Holanda. Del 10 al 19 de marzo se celebró ahí la 30ava. edición de TEFAF, la Feria Europea de las Bellas Artes. A lo largo de esos días asistieron 71 mil personas provenientes de 60 países, la mayoría coleccionistas privados e institucionales, aunque también gente que simplemente gusta del arte.
LA IGLESIA Nueva y casas viejas en La Haya, 1883, Vincent Van Gogh, Galería Albricht.
LA IGLESIA Nueva y casas viejas en La Haya, 1883, Vincent Van Gogh, Galería Albricht.
En esta ocasión se reunieron 282 galerías, que trajeron lo mejor de su oferta desde 21 países. Según su especialidad se agruparon en las secciones: Pintura, Antigüedades, Arte antiguo (egipcio, etcétera), Joyería fina, Arte tribal, Arte moderno, Diseño y Papel.
Imagine que entra en un museo donde cada obra expuesta está a la venta; donde cada marchante está ansioso por describir y resaltar los atributos y la historia de cada pieza que seleccionó cuidadosamente para esta feria; donde todotiene el “sello” de calidad y autenticidad que da tranquilidad a quienes vienen a comprar (para ello existe un comité internacional e interdisciplinario de expertos). Es, como me dijo mi esposo, un paseo maravilloso por la historia del arte, del más antiguo al moderno.
DOS NETSUKES, Japón, c. 1720-1900, Galería Sydney L. Moss.
DOS NETSUKES, Japón, c. 1720-1900, Galería Sydney L. Moss.
Ya desde el primer día se cerraron ventas de objetos muy especiales de las que le mencionaré sólo dos. La joyería Hancocks encontró comprador para una tiara que perteneció a Lady Delia Spencer, tía abuela de la Princesa Diana. Fue un regalo que recibió de su padreel día de su boda en 1914. Está engarzada con más de 800 diamantes de talla antigua, con un peso total estimado de 48 quilates. Para poder usarse con mayor frecuencia se puede “separar” de tal manera que 3 quintas partes se convierten en una elegantísima gargantilla y las otras 2 quintas forman una pulsera.
Un coleccionista privado adquirió en la galería John Endlich Antiquairs una casa de muñecas por 1.8 millones de euros. Le cuento que en los Países Bajos durante el siglo XVII las señoras de la alta sociedad tenían como hobby decorar estas mini mansiones con todo el detalle y lujo posible. Quien haya sido responsable de ésta no escatimó en detalles. El piso de cada habitación es diferente, lo mismo que los techos y los muros, algunos tapizados. El patio central tiene vistas al jardín y a un paisaje urbano. Además de pequeños muebles, hay 200 miniaturas en plata: sillas, mesas, candelabros y platones, así como pequeñísimos jarrones de cerámica. Tome una lupa y admire esta obra de arte que fue una de las obras que más atención femenina atrajo en la feria.
HARPOLYRE, JEAN-François Salomon (1781-1831), Francia, Galería Jean Michel Renard.
HARPOLYRE, JEAN-François Salomon (1781-1831), Francia, Galería Jean Michel Renard.
Días antes de visitar TEFAF hago una selección de galerías y obras que me gustaría ver. Ese día salgo muy temprano de casa porque necesito tres y media horas en tren para llegar a Maastricht. La feria es tan grande (30 mil 500 m2) que es importante aprovechar el tiempo, así que identifico en el plano los puntos a visitar, sin embargo, una vez que entro me dejo llevar por las bellezas que van apareciendo frente a mí. Además de admirarlas aprendo mucho. Permítame compartirle algunas de las que llamaron mi atención:
En la galería Vanderven Oriental Art encontré un Buda monumental del siglo XIV, proveniente de China, por el que pedían un millón de euros. El Buda está sentado en la postura del loto “padmasana”, con sus manos en la mudra “dhyana”, la posición de equilibrio absoluto. La paz que transmite me acompañó en mi recorrido.
DETALLE DE la casa de muñecas, Países Bajos, siglo XVII, John Endlich Antiquairs.
DETALLE DE la casa de muñecas, Países Bajos, siglo XVII, John Endlich Antiquairs.
Como siempre, nuestras culturas prehispánicas también estuvieron presentes en Galerie 1492, cuya sede se encuentra en París. Las piezas que más me llamaron la atención fueron un águila de tuba volcánica procedente de Teotihuacán, tallada en relieve, y las figuras en terracota de una pareja, procedente del Estado de Jalisco. Para que usted mismo las vea, lo invito a este tour virtual del stand: http://bit.ly/2nUUOia Para mi sorpresa, al fondo encontré una obra contemporánea del pintor francés Yves Clerc quien, atrapado por la belleza de nuestros paisajes, creó un óleo con un nopal y un jaguar (#334), que también estaba a la venta.
Movida por la curiosidad de ver una “harpolyre” me dirigí al stand de Jean Michel Renard, especializado en instrumentos musicales antiguos. Ahí estaba, de pie, elegante y orgullosa, una de las pocas guitarras de tres mástiles que existen en el mundo (sólo se conocen 4 aparte de esta). El propietario de la galería me habló sobre el inventor de este instrumento, Jean-François Salomon (1781-1831), quien en 1825 solicitó la patente para su creación cuyas seis cuerdas del brazo central se afinan como las de una guitarra normal, las 7 del izquierdo son de bajos y las 8 del derecho son diatónicas. Para cuando le otorgaron la patente ya se le habían acabado la mayor parte de sus ahorros. Desgraciadamente a los músicos les pareció muy complicado tocarla a pesar de que uno de los compositores más famosos de ese tiempo, Fernando Sor, había creado varias piezas para ser interpretadas con ella. ¿Quiere escucharla? Mire este video: https://youtu.be/UAf_ 5nn9zNI. Además de esta pieza excepcional, en esta galería encontré muchas otras, la más versátil tal vez fuera un piano-billar, obra de Alexandre Bataille, c. 1860. ¡Nunca ha sido más fácil combinar dos fuentes de distracción! Además, según me aseguraron, el sonido es perfecto.
BUDA, CHINA, siglo XIV, Vanderven Oriental Art.
BUDA, CHINA, siglo XIV, Vanderven Oriental Art.
¿Interesado en comprar un Van Gogh? En la Galería Albricht por sólo 2 millones 250 mil euros podía ser suya “La Iglesia Nueva y casas viejas en La Haya”, un óleo que pintó entre julio y septiembre de 1883 mientras estuvo en la capital holandesa tomando clases con su tío político Anton Mauve. La obra ha formado parte de una colección privada desde 1970 y nos lleva a un periodo poco conocido de este artista.
¿Ha oído hablar de los netsuke? (se pronuncia nétske) Usted sabe que los kimonos no tienen bolsas, pero los caballeros japoneses de las clases altas necesitaban llevar ciertos objetos consigo (pipas, tabaco, instrumentos para escribir), así que entre 1720 y 1900 se colgaban unos saquitos del cinturón. Para que no se les cayeran usaban unas pequeñasesferas perforadas por las que pasaban las cintas de las bolsitas. Estas fueron sofisticándose hasta convertirse en verdaderas obras de arte en miniatura que reflejaban la personalidad y la opulencia del propietario. Oliver Moss, propietario de la galería Sydney L. Moss, que representa a la cuarta generación familiar en el negocio, me describió con pasión y gran conocimiento los distintos tipos de netsuke. No en balde su padre y su abuelo han sido expertos en estas piezas y le han transmitido su amor por ellas.
ÁGUILA DE tuba volcánica, c. 450-750, Teotihuacán, Galerie 1492.
ÁGUILA DE tuba volcánica, c. 450-750, Teotihuacán, Galerie 1492.
¡Me falta espacio para seguir contándole las maravillas que vi!
TEFAF ha crecido y cuenta ya con dos ferias anuales en Nueva York, una del 4 al 8 de mayo, especializada en arte moderno y contemporáneo, y otra del 27 al 31 de octubre, dedicada al arte desde antiguo hasta 1920. Por lo pronto lo invito a echar un ojo a la web de la feria www.tefat.com y maravillarse con muchas de las obras que estuvieron a la venta en Maastricht. Incluso encuentra el catálogo en formato digital. Para hacer tours virtuales por algunos de los stands:www.masterartve.com/Tours

Fuente
https://www.elsoldezacatecas.com.mx

Culminó la Bienal Internacional de Arte

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Artistas plásticos aportaron obras de enorme jerarquía bajo distintas técnicas, revalorizando cada vez más un sitio de enorme atracción en Miramar.
MIRAMAR (Corresponsal).- La III Bienal Internacional de Arte de Miramar – “El agua, fuerza creadora…nutriendo culturas” tuvo su acto de clausura en las instalaciones de la Mutual Cultural Círculo Italiano Joven Italia, donde dentro de un clima de alegría y emoción acudieron en forma conjunta, autoridades, artistas plásticos, ayudantes y público en general.
Sin dudas, este evento que trasciende fronteras cada dos años desde su inicio en 2013, sigue potenciando un legado cultural de enorme trascendencia en la ciudad, revalorizando un espacio público que durante muchos años pareció ser una postal triste bajo una tonalidad en sepia.

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Las obras monumentales en las paredes del Natatorio Municipal le brindan un colorido por demás atractivo que se suma a los 50 murales del parque -se incluye el anfiteatro-, y las esculturas a las que se agregan otras más realizadas en esta oportunidad.
“Quiero agradecer a todos los colegas, especialmente aquellos que vienen desde tan lejos, de otros países del mundo, y también al gobierno municipal por su apoyo. Mucha gente colaboró para que esto sea un éxito y el clima nos ayudó mucho. Son sentimientos muy fuertes, ahora los artistas se van y las obras quedan para la gente por eso tenemos el compromiso de continuar en esta senda”, expresó la curadora del evento, Marité Svast.
Bienal - Miramar -3
En tanto, su colega mexicano, Pacho Cárdenas, quien participó de las tres bienales, dejó un sentido mensaje. “Tengo el orgullo de decir que encontré muchos amigos a través del arte. Es un gran honor haber estado aquí una vez más, en Miramar me siento como en casa, esta ciudad sin dudas ganó un espacio preponderante en el arte público mundial”, dijo.
Por último, todos los participantes recibieron el correspondiente diploma de participación y se supo que algunos continuarán esta semana ultimando detalles de sus trabajos en el parque.
La próxima edición será en 2019 y en no mucho tiempo ya se comenzará a idear cuál será el desafío artístico a intervenir.

domingo, 26 de marzo de 2017

"El Bosco, el jardín de los sueños"

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Si nos damos cuenta de que el cuadro es un reflejo de nosotros ante la pintura, en cuanto miramos en su interior comenzamos a soñar. Es una imagen espejo de nosotros.
R. Falkenburg
 


Dirigido por José Luis López Linares, galardonado con tres premios Goya y nominado a los Emmy, este largometraje documental de 90 minutos se estrenará en las salas de cine coincidiendo con la apertura por parte del Museo del Prado de “El Bosco. La exposición del Centenario”, la muestra más importante organizada nunca en torno al artista con la que el Prado conmemorará el V centenario de su muerte. 

Sinopsis del director: José Luis López Linares.

En 2016 se cumplen 500 años de la muerte de El Bosco. Es casi el único dato sobre el autor de "El jardín de las delicias" al que podemos poner fecha precisa. "El Bosco, el jardín de los sueños" es una película sobre su cuadro más importante, y uno de los cuadros más icónicos del mundo: El jardín de las delicias.

Se han dado muchas interpretaciones de los cuadros de El Bosco desde su creación. El Bosco ha sido designado como un miembro de una secta esotérica, un cripto-cátaro, un alquimista, otros lo ven tan culto que incorporó mensajes complejos en forma de juegos de palabras visuales basadas en textos bíblicos o en el folclore. Estas interpretaciones a menudo sólo reflejan la mentalidad del espectador.

Es un cuadro para todos porque, mientras fascina los ojos del espectador medio, también contiene capas de profundidad que un espectador informado reconocerá como símbolos de niveles más profundos de significado e indagará en la naturaleza de sus misterios.

Hemos mantenido una conversación entre artistas, escritores, filósofos, músicos, científicos, sobre los significados personales, históricos y artísticos del cuadro, trayendo a nuestros días la ‘conversatio’ que comenzó hace 500 años en la corte de los duques de Nassau, en Bruselas, cuando se cree que la pintura fue encargada a El Bosco.

Esta ‘conversatio’ está conducida por el historiador de arte Reinert Falkenburg, quien está acompañado, entre otros, por los escritores Ohran Pamuk, Cees Nooteboom, Nélida Piñón, Salman Rushdie y Laura Restrepo; los artistas Miguel Barceló, Isabel Muñóz y Max; los músicos William Christie, Ludovico Einaudi y Silvia Pérez Cruz; el dramaturgo Albert Boadella; los historiadores John Elliot y Carmen Iglesias; la neurocirujana Sophie Swartz, y por supuesto los historiadores de arte Pilar Silva (comisaria de la exposición El Bosco en El Prado), Alejandro Vergara (El Prado), Elisabeth Taburet-Delahaye (Museo Cluny), Xavier Solomon (Colección Frick) y Philippe de Montebello (Museo Metropolitan)

Aún hay muchos misterios que rodean al tríptico, pero al mismo tiempo hay elementos para todos: colores brillantes, acción compleja, comedia, tragedia, misterio, pecado, vida, muerte, y quizá incluso redención. La obra puede ser apreciada y es capaz de atrapar al espectador sin ser comprendida. La película nos lleva a comprender la obra.


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Estreno mundial en cines el 9 de junio

El Museo del Prado presenta el documental El Bosco. El jardín de los sueños.


El Bosco. El jardín de los sueños se estrenará en más de 70 salas en España, además de Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Polonia, Hungría y la República Checa.
Con el profesor Reindert Falkenburg como narrador, El jardín de los sueños es una conversación de escritores, historiadores, músicos y artistas, que va abriendo pistas para ayudar al espectador a entender el cuadro, el pintor y su época.
El punto de partida es la tesis de Falkenburg de que el tríptico era un elemento de conversación en la corte de los Nassau. Quinientos años más tarde se reproduce con la participación Un dialogo que comenzó hace 500 años en Bruselas y de la que ahora participan Cees Nooteboom, Salman Rushdie, Orhan Pamuk, Nélida Piñón, Laura Restrepo, Michel Onfray, Miquel Barceló, Cia Guo Quiang, Isabel Muñoz, José Maria Ballester, Max, Ludovico Einaudi, William Christie, Silvia Perez Cruz, Renée Fleming, la comisaria de la exposición Pilar Silva, Philippe de Montebello, John Elliott, Carmen Iglesias, Alejandro Vergara y Xavier Salomon. Artistas, escritores, filósofos, músicos y científicos conversan sobre los significados personales, históricos y artísticos del cuadro, trayendo a nuestros días la ‘conversatio’
Una reflexión coral sobre El jardín de las delicias y su creador con la narración histórica de su tiempo y las claves de la historia del arte.
La narración comienza con la apertura de las puertas “Un cuadro que invita a entrar y participar” (William Christie). Un primer acercamiento al cuadro que actúa como espejo en el que el espectador se proyecta.

De izquierda a derecha: Sir John Elliott, historiador hispanista; Reindert Falkenburg, historiador del arte, autor del libro The land of unlikeness, The garden of Earthly delights (Vice provost NYU ABU DABI); y Philippe de Montebello, historiador del arte.
De izquierda a derecha: Sir John Elliott, historiador hispanista; Reindert Falkenburg, historiador del arte, autor del libro The land of unlikeness, The garden of Earthly delights (Vice provost NYU ABU DABI); y Philippe de Montebello, historiador del arte.

“Lo que la mayoría de la gente se ve a sí misma. Si nos damos cuenta de que el cuadro es un reflejo de nosotros ante la pintura en cuanto miramos en su interior comenzamos a soñar. Es una imagen espejo de nosotros” (R. Falkenburg)
Un espectador que ha cambiado en estos cinco siglos:
“Este cuadro ha estado ahí expuesto desde hace mucho tiempo, emanando su fuerza, su alma… Antes de la Revolución Francesa después de la Revolución Francesa; antes y después del marxismo, y antes y después de Auschwitz. Lo que significa que el cuadro, ha permanecido siempre igual. El mismo objeto material, hecho de madera y pintura. Pero los ojos pertenecen a cabezas cuyas mentes han cambiado por completo.” (Cees Nooteboom)
Y prosigue con las claves biográficas del pintor, la cofradía a la que perteneció, su inspiración diaria en el mercado de su pueblo Hertogenbosch.
En palabras de Nélida Piñón: “Nadie puede hacer esa obra sin sospechar de su capacidad, de engendrar un mundo. De competir con Dios…”
Capacidad que Pilar Silva (comisaria de la exposición) describe como “El Bosco dibuja como un pintor y pinta como un dibujante”
Y el Jardín de tema central. La obra que fascina por su grado de realismo a John Elliott, por su capacidad de “Crear esta máquina capaz de encender la imaginación del espectador e incitar a la interpretación sin ni si quiera darnos una pista”. (Reindert Falkenburg)
Su visión como artista: “que es capaz de presentar un futuro mucho más cruel de lo que podían imaginar los coetáneos”. (Carmen Iglesias)
El jardín como “un gran día de fiebre” Miquel Barceló, la admiración que provoca en Orhan Pamuk “la paciencia y la alegría de los detalles”. Difícil de describir para Nélida Piñon: “Para describir esto hay que inventar palabras “
Desde su visión filosófica Michel Onfray comenta:
“Lo importante en la vida, no es la cultura sino la vida. Es la gente, no matar, no hacer daño…
No aumentar la miseria del mundo. Y esta obra es genial porque eso es lo que dice. Si fuera necesario destruir obras de arte habría que destruir muchas, pero salvar esta”
Y, el artista chino Cai Guo Quiang describe como “Una obra en la que el espacio surge desde el interior del tiempo. Por eso ‘El Jardín’ representa la historia de la humanidad.”

Ludovico Einaudi, compositor.
Ludovico Einaudi, compositor.

Ludovico Einaudi lo ve “como una ópera fantástica”.
Y Philippe de Montebello concluye: “Yo lo miro desde el punto de vista pictórico y me pregunto ¿por qué es tan emocionante? Y concluyo porque funciona”
En el jardín de los sueños, José Luis Lopez Linares nos invita a participar de esa fascinante conversación armados con un nuevo bagaje de pistas de estos personajes, con potentes imágenes preciosistas rodadas en ultra alta definición, un zoom al que nos transporta la gran pantalla.
Todo ello subrayado por una cuidada selección musical, grandes artistas internacionales que parecen componer para el pintor holandés. Elvis Costello pone música a los tapices de Cluny, el tema de Lana del Rey, Gods and Monsters, como un clip musical inesperado y sorprendentemente hilado con los detalles del cuadro, la paz de Ludovico Einaudi, junto con Max Richter Olafur Arnalds y el emocionante Vater Unser de Arvo Part.
Datos de producción
Este documental ha sido producido por Lopez Li Films junto al Museo del Prado, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, y la colaboración del ICAA. Cuenta con la participación de Movistar+ que lo estrenará en el Canal+ Estrenos el 5 de julio, y el apoyo de RTVE que lo emitirá en La 2 durante el verano.
El 9 de julio llega a cines de toda España, en más de 70 salas de la mano de la distribuidora Versión Digital, y será estrenado también en cines de Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Polonia, Hungría y la República Checa.
 Mirar un cuadro 'El jardín de las delicias de El Bosco' comentado por Alberti
                           

 

jueves, 23 de marzo de 2017

El gobierno de Estados Unidos irá a la caza obras de arte

arte
Arte.-Este “calle Catorce en la Sexta Avenida,” John Sloan pintado en 1934, está valorada en 700.000 euros y es el más caro de los trabajos hasta ahora recuperados.

Hay un mundo de arte para ser descubierto en los Estados Unidos: El tío Sam quiere recuperar las obras financiadas en el momento de la Gran Depresión y desapareció

Después de la caída bursátil de 1929, vivían-oscuros tiempos en los EE.UU.. En 1933, la depresión económica había lanzado un gran número de estadounidenses en la pobreza. Con el aumento del desempleo, los artistas también sufrieron. Pero el presidente Franklin Roosevelt, conductor del programa de recuperación económica que se hizo conocido como New Deal, era un viejo amigo una idea útil – ¿por qué no pagar a los artistas para producir murales y pinturas que “revitalizen la expresión nacional”.
Se incorporó al trabajo con el placer. Al final de este año, nació un programa de arte público que ha crecido en una forma sin precedentes: se han pasado más de 200.000 obras financiadas por el gobierno durante ocho años. Entre los artistas contratados se contaron anteriormente nombres desconocidos pero que sería para la historia del arte, como Mark Rothko o Pollock.
En la actualidad, el Departamento de Investigación de la Administración de Servicios Generales (GSA) es la búsqueda de muchas de estas obras, que el estado ha perdido la pista durante las décadas. “Definitivamente es una aguja en un pajar problema”, explica Jennifer Gibson, director de la división responsable de la técnica, el sitio web de noticias Atlas Obscura.
Las obras pueden estar en cualquier lugar. Y la ley estadounidense es clara en este tema – en ningún caso puede el gobierno renunciar a su propiedad. La GSA ahora tiene en sus manos la ardua tarea de localización y recuperación de la técnica, por tener los contribuyentes sus clientes, debe ser puesto a su disposición de forma gratuita, explica esta oficina federal.
Ha habido muchos “final feliz”. Este es el caso de un cuadro del pintor Anne Fletcher quien, después de haber sido ofrecido por un maestro a un joven en 1970, fue encontrado por el gobierno de cuarenta años después de la casa de la familia. Es uno de 578 piezas ya recuperados, por valor de más de $ 6.6 millones de dólares (6,2 millones de euros), que son o serán enviadas a los edificios públicos, tales como museos.
Para obtener más reacios a los estadounidenses a volver obras para el gobierno, el agente Eric Radwick, GSA tiene una respuesta preparada: “Mi tío también perdió mucho arte desde hace muchos años. Mi tío es el tío Sam “.
Fuente
http://pysnnoticias.com

Los suizos Art Basel y UBS presentan su primer informe sobre Mercado Global del Arte


Cortesía de Art Basel y UBS | Los suizos Art Basel y UBS presentan su primer informe sobre Mercado Global del Arte
Cortesía de Art Basel y UBS | Los suizos Art Basel y UBS presentan su primer informe sobre Mercado Global del Arte

Las ventas totales del mercado global del arte en 2016 bajaron a 56.600 M. de Dólares (-11%) y los tres mercados más importantes siguen siendo EE.UU., Reino Unido y China. 

Caída fuerte de las ventas públicas de subastas mientras que crecen sus ventas privadas así como las de dealers y galerías, en sus locales, en ferias y por internet.
Tras la reciente presentación del noveno Informe TEFAF del Mercado Global del Arte, el primero firmado por la economista Rachel Pownall para la feria holandesa TEFAF (Maastricht), es ahora la feria suiza Art Basel, junto al banco UBS, la que presenta, un día antes de la inauguración de Art Basel Hong Kong, su primer Informe sobre Mercado Global del Arte, elaborado por la economista cultural Clare McAndrew, fundadora de Arts Economics y autora de ocho informes TEFAF.
El nuevo informe de McAndrew para la feria suiza, titulado "The Art Market", sigue la misma línea de los realizados anteriormente para la feria holandesa, analizando el mercado del arte internacional, cubriendo las tendencias macroeconómicas dentro de la industria, que van desde los mercados de dealers y galerías de arte a las casas de subastas, así como la venta online.
Datos de ventas globales
McAndrew coincide con Pownal, su sucesora en TEFAF, en que se ha producido una reducción en las ventas totales del mercado global del arte. Si bien, mientras la primera las estima en 56.600 M. de Dólares en 2016, lo que supone un 11% menos que en 2015, la segunda las sitúa en  45.000 M. de Dólares frente a los 63.800 estimados en 2015 por McAndrew, lo que supone un 29% menos, reduciendo en casi un tercio su valor actual.
Entonces, ¿ha decrecido un 11% o un 29% el mercado del arte?. Una cuestión nada baladí si tenemos en cuenta que son 11.600 M. de Dólares los que separan a ambas economistas en sus conclusiones.
Líderes del mercado global
También están de acuerdo en que los tres mercados más importantes siguen siendo Estados Unidos, Reino Unido y China, pero de nuevo las cifras son dispares. Para McAndrew Estados Unidos fue nuevamente el mayor mercado por valor, con una cuota de mercado estimada del 40%, el Reino Unido fue el segundo mayor con un 21%, seguido por China con un 20%. En cambio para Pownal los EE.UU. totalizaron el 29,5% de todas las ventas, seguido por el Reino Unido con un 24% y China con un 18%. Aquí llama la atención los 10,5 puntos de diferencia en la cuota de mercado estadounidense.
Datos de ventas de dealers y galerías
Ambos informes también apuntan un incremento de ventas globales en dealers y galerías privadas. El de Art Basel registra que, en 2016, hubo con respecto al año anterior un ligero aumento en las ventas situándolo en un 3% lo que arroja un total de 32.500 M. de Dólares. De nuevo, disparidad en las cifras ya que en el de TEFAF se refleja que las ventas privadas a través de galeristas en 2016 se incrementaron un 20% más que en 2015, representando el 63% de las ventas mundiales.
Según McAndrew el sector de dealers consistió en 296.315 negocios en 2016, con un núcleo de alrededor de 5.000 dealers responsables de aproximadamente el 80% de las ventas totales por valor.
Datos de ventas en ferias
Otro dato a destacar del nuevo informe de Art Basel es que las ferias de arte continúan siendo una parte central del mercado global del arte, con ventas agregadas estimadas de 13.300 M. de Dólares en 2016, un 5% más que en 2015 y un aumento del 57% desde 2010. De esta forma, las ferias de arte representaron el 41% de las ventas de dealers en 2016.
Datos de ventas online
Asimismo, se estima que las ventas de arte y antigüedades online alcanzaron los 4.900 M. de Dólares en 2016, un aumento del 4% interanual y representan casi el 9% del mercado mundial de arte y antigüedades por valor. Una tendencia señalada también desde tierras holandesas, puntualizando que ha sido predominantemente más palpable en el extremo inferior del mercado, con más del 75% de las ventas logradas a través de un sitio web por debajo de 5.000 Dólares.
Datos de ventas en subastas públicas
Ambos informes también reflejan la fuerte caída en el valor de las ventas globales en las subastas públicas. Pero, nuevamente, los datos son dispares. Así, mientras que para Clare las subastas públicas disminuyeron un 26%, alcanzando 22.100 M. de Dólares en 2016 (29.900 en 2015), para Rachel la caída fue del 18,8% siendo el monto total de 16.900 M. de Dólares en 2016 frente a los 20.800 M. de Dólares del año anterior.
Las dos economistas reflejan en sus respectivos estudios que el cambio más significativo se produjo en los Estados Unidos, donde el valor de las ventas subastadas cayó de forma dramática, y que, por contra China, se mantuno estable, lo que hace que lidere el mercado global de subastas. Eso sí, McAndrew le da un 34% de cuota mientras que Pownal la eleva al 40.5 %.
Datos de ventas privadas en casas de subastas
Además, el informe para Basel destaca que todas las casas de subastas de primer nivel participaron en ventas privadas, y éstas aumentaron en 2016 con un promedio ponderado del 16% en su facturación, y que el sector más grande del mercado público de subastas de arte en 2016 fue posguerra y arte contemporáneo, representando el 52% del mercado por valor y el 37% de las transacciones.
Una tendencia también confirmada desde la TEFAF, apuntando que se debe a que los coleccionistas se han vuelto más inclinados a obtener ofertas fuera de la publicidad de la subasta. Y es que las casas de subastas les han reconocido que han estado facilitando un mayor número de ventas privadas.
Diferentes fuentes para reunir los datos
En el caso de McAndrew sus datos de subastas provienen de 4 fuentes principales: Collectrium, AMMA (Art Market Monitor of Artron), los datos de las ventas ofrecidos por las casas de subastas y dos encuestas de Arts Economics en el sector de la subasta (una encuesta de primer nivel de las diez principales casas de subastas en todo el mundo más una encuesta de segundo nivel de alrededor de 550 casas de subastas nacionales de segundo nivel).
Para el de Dealers desde Arts Economics se llevó a cabo una encuesta en línea anónima con cerca de 6.500 dealers de los Estados Unidos, Europa, Asia, África y América del Sur en 2017, siendo la tasa de respuesta en conjunto de aproximadamente el 17% (un poco más de 1.100 dealers).
Y, finalmente, los datos de las exposiciones se obtuvieron de Artfacts.net mientras que la investigación sobre el sector en línea fue elaborada por una encuesta de cerca de 50 empresas en 2016 y por una serie de entrevistas.
Por su parte, Pownall ha empleado una nueva metodología basada en datos oficiales de las oficinas de estadísticas gubernamentales y las Naciones Unidas, los datos de subastas de Artnet, los datos de ventas del registro Orbis de empresas privadas, las respuestas de encuestas de aproximadamente 350 galeristas (esa cifra proviene de la respuesta del 5% recibido tras enviar 7.000 encuestas) y los datos de las ventas privadas en las casas de subastas directamente ofrecidos por dichas casas de subastas.
Cabe destacar que el informe adopta una definición específica de dealers de arte y galerías de arte, representativos de la industria en cuestión. El resultado de esto es que las estimaciones generales de la industria parecen más pequeñas que en informes anteriores, pero se consideran más representativas del mercado de arte y antigüedades a nivel mundial, aclaran desde la TEFAF.
Fuente

El mercado del arte, lejos de recuperarse con un 11 % menos de ventas en 2016


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Ginebra, 22 mar (EFE).- El enfriamiento general de la economía propició la caída, por segundo año consecutivo, de las ventas del mercado de arte global, que sufrió una bajada del 11 % del valor total de las operaciones en 2016 respecto al año anterior y se encuentra lejos de recuperarse, según un estudio publicado hoy.
El año pasado las galerías, ferias de arte y casas de subastas generaron 56,600 millones de dólares, una cifra que se aleja del máximo histórico de más de 68,000 millones alcanzado en 2014, según el primer informe de Art Basel y el banco suizo UBS.
En general, el informe achaca la reducción global del valor de las ventas del mercado de arte, antigüedades y coleccionables al lento crecimiento mundial y a las incertidumbres sobre las políticas en la economía global, factores que han propiciado tendencias de compraventa "muy prudentes".
La fundadora de Arts Economics, Clare McAndrew, autora del informe, señaló que "2016 fue un año complicado para el mercado del arte con un rendimiento desigual entre regiones y sectores".
En un mercado que sigue fuertemente polarizado, el año pasado se efectuaron 36,1 millones de transacciones con objetos de arte, un 5 % menos que en el ejercicio anterior.
La caída moderada en el volumen de las operaciones en comparación con el valor de las mismas se explica por un descenso de general de los precios de los objetos artísticos, precisa el estudio.
Estados Unidos reafirmó su liderazgo ininterrumpido del mercado de arte y consiguió en 2016 un 40 % del valor total de las ventas, mientras que el Reino Unido y China alcanzaron un 21 y 20 % respectivamente.
Los estados europeos continuaron experimentando un estancamiento al igual que en 2015, y se situaron a mucha distancia de las tres principales potencias, que dominaron el 81 % de la compraventa de arte el año pasado.
Francia mantuvo la cuarta posición con un 7 % del total de ventas, seguida por Alemania y Suiza -con un 2 % cada uno- y por Italia y España con un 1 % en ambos casos.
Asimismo, 2016 vio un aumento de un 3 % en las ventas registradas por los marchantes de arte -galerías o ferias de arte-, hasta superar los 32,500 millones de dólares.
Las galerías efectuaron la mayoría de las ventas de los marchantes de arte, al acaparar un 51 % del total, mientras que las ferias consiguieron un 41 % e internet se atribuyó el 8 %.
Las transacciones en línea aumentaron un 4 %, un resultado destacado en un contexto de mercado en retroceso, pero no alcanzan las previsiones que algunos expertos hicieron hace tres o cuatro años y que apuntaban incluso a incrementos por encima del 20 %.
El año pasado se cebó con los pequeños marchantes de arte -aquellos que tienen un volumen de negocio inferior a un millón de dólares-, que perdieron cuota de mercado ante los comerciantes que generan ingresos superiores.
Por otro lado, el valor de las ventas de las casas de subastas se desplomó un 26 %, llegando a 22,100 millones de dólares.
También el volumen de las compraventas se contrajo un 20 %.
Esta dinámica ha marcado la evolución general negativa del mercado y ha incrementado frente a las casas de subastas la cuota de mercado de las galerías, ferias de arte y otros marchantes, que dominan el 57 % del mismo.
La caída en el sector de las firmas de subastas fue particularmente pronunciada en Estados Unidos, un hecho que contrasta con la actuación de China, cuya estabilidad le ha llevado a liderar este mercado y a efectuar el 34 % de las ventas totales.
Por tipos de arte, las obras Post Guerra y Contemporáneas se reafirmaron como las más populares el año pasado en el mercado global y se adjudicaron más de la mitad del valor de las operaciones y el 37 % de las transacciones.
La mitad de estas obras pertenecían a artistas que aún viven.
El Arte Moderno se mantuvo como el segundo sector que generó más volumen de negocio con el 23 % del valor de las ventas.
También fueron significativas para las ventas las creaciones de los Antiguos Maestros y los Impresionistas y Postimpresionistas, que representaron un 13 % y un 12 % del total, respectivamente.
El informe estimó que más de 310,000 negocios operaron en el mercado global de obras de arte, antigüedades y coleccionables en 2016, lo que incluye 296.315 galerías y 14.135 casas de subastas.


yoselin

Fuente

http://elperiodicodemexico.com


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