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lunes, 20 de febrero de 2017

Conoce al indigente que construyó su cámara fotográfica y llevó sus fotos a los grandes museos del mundo

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Fue considerado artista por algunos, loco por otros y vagabundo, en ocasiones.
Miroslav Tichý, fue un vagabundo solitario que recolectaba basuras de todo tipo acumuladas entre la mugre y los bichos que esta acarrea, en su pobre domicilio en la ciudad checa de Kyjov. Pero su ingenio, creatividad y don para la fotografía lo llevaron a exhibir sus imágenes en las principales salas de museos del mundo.
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Tras la Segunda Guerra Mundial comenzó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Praga. Sin embargo en 1948, cuando por instrucción de las autoridades cambiaron las modelos que posaban para los estudiantes por obreros vestidos con traje de faena, abandonó definitivamente la Escuela. Se convirtió durante décadas en un vagabundo e indigente.

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La historia de Tichý podría parecerse a la de muchos artistas que terminaron en el submundo, pero su historia no concluye ahí, pues el genio de Tichý comienza a hacer algo sorprendente. Desde su rol de indigente, empieza a recolectar toda clase de desechos, latas de sopa, cajas, vidrios, y con ellos construye una cámara fotográfica. Resulta increíble pero cierto: una pequeña caja metálica es cubierta con brea para impedir el paso de la luz sobre la película; un tubo de cartón o metal, con unos vidrios pulidos por él mismo que hacen de lente, un botón de disparo improvisado con otros elementos hechos con fragmentos de basura.
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Como bien lo saben los fotógrafos, la cámara en sí misma tienen unas herramientas que el fotógrafo adapta a ciertas necesidades particulares, y de tal condición se percata Tichý; multiplica su ingenio en la creación de otra serie de cámaras, cada una de ellas con características diferentes: tubos más largos para el lente, entre otros componentes.
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Sus fotos cuentan historias de mujeres que caminaban, descansaban en el parque, tomaban el sol en la piscina o subían a un autobús. Sus fotografías, que revelaba descuidadamente en su chabola, tienen un aspecto borroso, a veces sobrexpuestas, con rayaduras, impresas sobre papeles rasgados a mano, enmarcadas en ocasiones con simples cartones coloreados.

Son características que lo ligan a lo pictórico. Tienen el encanto y el embrujo de lo imperfecto, de lo manual; también se nota la carga sensual en la mirada de este voyeur, ladrón de momentos fugaces e intrascendentes.

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Hacia el año 2000 un crítico de arte, Harald Szeemann, le descubre y organiza su exposición en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla en 2004. A partir de ese momento gozó de gran prestigio y sus trabajos recorrieron las salas de Madrid, Palma de Mallorca, París (en el Centro Pompidou) o en el prestigiosoICP de Nueva York. 
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Vivió hasta el año 2011. Recibió un poco de reconocimiento, aunque jamás fue a la inauguración de ninguna exposición de su propia obra, según relata Buxbaum. Pero cuándo se le enseño un catálogo de una exposición sus ojos se alegraron, como si hubiese alcanzado un cierto grado de felicidad.

Quizás ésta sea el mejor homenaje que podamos hacerle, recordar ese momento de este ser, de este ser perdido en si mismo, perdido en la sociedad, perdido en su misma época, perdido en su ciudad.


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Fuente
http://www.elciudadano.cl

Los museos más románticos del mundo



Top 5: Los museos más románticos del mundo

Phillips Collection (Washington DC)

Reúne las joyas de Duncan Phillips, un crítico de arte y coleccionista que convirtió su casa en Dupont Circle, en museo en 1897. "Almuerzo de remeros" de Renoir, "Un autorretrato" de Paul Cézanne o "Domingo" de Edward Hopper son algunas de las 4.000 piezas.

El pabellón de la Secesión (Viena)

Las paredes del edificio están tatuadas con el célebre Friso de Beethoven, realizado por Klimt para la XIV Exposición de la Secesión vienesa de 1905. No es una obra pequeña, sino 34 metros de ancho y dos metros de alto en los que el enfant terrible vienés interpreta la novena sinfonía.

Isabella Stewart Gardner (Boston)
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Isabella Stewart Gardner (Boston)

La mujer que hay detrás de este museo que reúne todos los cuadros de los que se enamoró en sus viajes a Europa. Raphael, Botticelli, Rembrandt, Monet, Degas son los genios que cuelgan de estas paredes entre tapices y otros refinados objetos.

The Peggy Guggenheim Collection (Venecia)

A la colección Peggy Guggenheim hay que llegar en vaporetto, con lo que antes de llegar ya ha sumado muchos puntos en cualquier ranking de lugares románticos. Antes de que se instalara aquí la famosa coleccionista, albergaba ya algunas de las obras de arte más relevantes del siglo XX.

FrickCollection (Nueva York)

Uno de los millonarios del siglo XIX fue Henry ClayFrick, hoy su nombre está unido a una de las colecciones de arte privadas más deseadas del mundo. De Rembrandt a Velázquez, de Holbein a Tiziano y de El Greco a Bellini, Vermeer, Goya, de este nivel hablamos en la FrickCollection. 

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jueves, 16 de febrero de 2017

Borja Villel: "Sería un error histórico mover el 'Guernica' al Prado"

Foto: El cuadro en el Reina Sofía (EFE)


El cuadro en el Reina Sofía (EFE)
                                                  80 AÑOS DE LA CREACIÓN DE UNA OBRA ICÓNICA

El cuadro de Picasso llegó hace 25 años al Reina Sofía


El 'Guernica' de Picasso, icono del arte contemporáneo y símbolo del horror de la guerra cumple 80 años y 25 de su llegada al Museo Reina Sofía, cuyo director, Manuel Borja Villel, dice tajante que mover el cuadro de lugar, como llevarlo al Prado, "sería un error histórico, museográfico y social". Borja Villel responde así, en una entrevista con EFE, a la idea que defiende el todavía director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, cuando habla de llevar la obra de Picasso al Salón de Reinos, que está en proceso de rehabilitación para ampliar la gran pinacoteca.

"Obviamente, el Reina Sofía se hizo a partir de la existencia del 'Guernica' y de la existencia de las vanguardias históricas. No tendría ningún sentido, no solo aquí, sino también en otras partes del mundo, donde se dan estos debates, porque los museos de arte clásico tienen una metodología, una forma de entender la historia y los museos de arte moderno otra", argumenta. "La historia -continúa- no puede ser cortada como una salchicha y y que unos elementos pasen de un lugar a otro. El periodo moderno y contemporáneo tienen unas características determinadas que son las que cubre el Reina Sofía", precisa Borja Villel, que lleva desde 2008 dirigiendo uno de los museos de arte moderno y contemporáneo más internacional.

La historia no puede ser cortada como una salchicha

Borja Villel fue el primer director de un gran museo que se nombró siguiendo el Código de Buenas Prácticas, por un concurso que evaluó un comité de expertos, una metodología que también le gustaría que se aplicara para elegir al nuevo director del Museo del Prado, tras la marcha de Miguel Zugaza, que anunció que este 2017 abandonará su cargo. "No me corresponde a mí decir lo que se tiene que hacer -aclara-, pero creo que se sería bueno que se hiciera por concurso público. Estoy a favor de las buenas prácticas", sostiene.
Balance y retos

Este mes de enero Borja Villel cumple 9 años al frente del Museo -su contrato es por 5 años, renovables por el mismo periodo otras dos veces- y hace un balance positivo. "Hemos conseguido una serie de logros -reconoce-, como el replanteamiento de la colección, una Ley propia que hay que seguir desarrollando y el trabajo en red". "Se ha mejorado la autofinanciación y queda completar la colección, que debe incluir el tema de la arquitectura incluyendo la ciudad", añade.

Y entre los retos a conseguir, el director del Reina Sofía, destaca su deseo de consolidar una red internacional, "no solo entre instituciones y de centros -dice-, sino también con una comunidad de coleccionistas que luego sean capaces de donar obras al museo". "No se puede olvidar -recuerda- que los museos, sobre todo los americanos, se conforman a partir de comunidadesque entienden que hay que devolver a la sociedad lo que ésta te ha dado y hay comunidades de coleccionistas muy potentes cuyas colecciones terminan siendo públicas". También hay es una cuestión de educación y hay que generar comunidades de coleccionistas: "eso es fundamental", precisa.

Sería bueno que el director del Prado se eligiera por concurso público. Estoy a favor de las buenas prácticas

Pero Borja Villel también pide una buena Ley de Mecenazgo. "Esto sería básico para ayudar a la financiación de las instituciones públicas", sostiene. "Antes íbamos buscando obras y ahora vamos buscando coleccionistas porque hay una serie de piezas que no están al alcance de los museos públicos. Hay tanta disparidad entre los precios que estamos buscando otros modelo", recalca.


El Museo Reina Sofía ha superado los tres millones de visitas en 2016. "Hay más visitantes y se ve también más gente en todos los museos y en todos los sitios no hay que más que mirar la calle y se se ve que todo está lleno", dice.

El centro de arte, que en 2016 tuvo en los presupuestos del Estado un 36,6 por ciento de aportación, un 0,7 por ciento más que en 2015, es uno de los grandes museos contemporáneos del mundo y tiene una situación privilegiada, según su director. "Digamos que siempre ha habido una historia que se ha contado a partir de París y Nueva York; a partir de los centros hegemónicos culturales. El Reina Sofía tiene la posibilidad de ocupar el lugar de contar otras historias, las de la modernidad en una época global, en un mundo que se ha hecho pequeño". El Reina Sofía, concluye, "puede tener un papel más importante, si cabe, y este es el papel que queremos reforzar" y en ese sentido pide al Gobierno que "potencie" instituciones como la suya.

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http://www.elconfidencial.com

El drama de ser artista en España: la mitad cobra menos que el salario mínimo

Foto: Muestra en la Facultad de Bellas Artes de Valencia con un cuadro de Jesús Sánchez Fajardo (EFE)


Muestra en la Facultad de Bellas Artes de Valencia con un cuadro de Jesús Sánchez Fajardo (EFE)

Un estudio analiza la enorme precariedad del sector


El 46,9% de los artistas españoles recibe menos de 8.000 euros al año por su trabajo, cifra que no llega al salario mínimo interprofesional en España, según el estudio 'La Actividad Económica de los/las Artistas en España', que ha publicado la Fundación Nebrija con el apoyo de la editorial de la Universidad de Granada.

La encuesta, realizada a más de 1.100 artistas, ha sido presentada por sus autores, la profesora de la Universidad Antonio de Nebrija Marta Pérez Ibáñez y el profesor de la Universidad de Granada Isidro López-Aparicio, este miércoles 15 de febrero en Madrid.



Igualmente, el estudio ha revelado que el 13,4% de los artistas tienen unos ingresos anuales de entre 8.000 y 10.000 euros; el 18,4% de entre 10.000 y 20.000 euros; el 12,1% de entre 20.000 y 30.000 euros; el 5,3% de entre 30.000 y 40.000 euros; el 2,4% de entre 40.000 y 50.000 euros; el 0,8% de entre 50.000 y 60.000 euros; y el 0,6% de más de 60.000 euros.

El 28% de los artistas encuestados tienen entre 31 y 40 años de edad y el 25% entre 41 y 50 años y la mayoría han recibido una formación artística, de los cuales el 38,7% han realizado estudios en el extranjero y el 47% de estos son menores de 40 años, lo que indica, según los autores, el alto grado de especialización e internalización en la formación de los artistas.

Entre los artistas afincados en el extranjero, el porcentaje de ellos con ingresos inferiores a 8.000 euros anuales baja al 37,3% y el del grupo de artistas con ingresos superiores a 50.000 euros asciende al 6,8%. De este modo, el estudio resalta que una de las razones por las que los artistas emigran a otros países es que el rendimiento de su trabajo es más alto.

Solo el 3,8% cobra más de 40.000 euros

Según el estudio, el precio de las obras de arte es de menos de 100 euros en el 7,9% de las ventas; entre 100 y 500 euros en el 41,3%; entre 500 y 1.000 euros en el 19,8%; entre 1.000 y 5.000 euros en el 19,6%; y en más de 5.000 euros en el 1,4% de las obras vendidas.

Por otro lado, el 81,4% de los encuestados declara mantenerse al margen de las entidades de derechos de gestión, no estar asociado a ninguna de ellas, lo que implica que son los propios artistas los que gestionan la protección de sus derechos de propiedad intelectual. Asimismo, el 70,5% participa o ha participado en la proliferación de colectivos artísticos.

El 1,4% de las obras vendidas valen más de 5.000 eurosAdemás, según concluye el estudio el 73,8% no pueden subsistir económicamente sólo con su actividad artística. En la misma línea, el 54,6% de los artistas declara no tener una vivienda en propiedad.

Para la profesora de la Universidad Antonio de Nebrija, también es "relevante" saber que el 64% de los artistas con una facturación media superior a 1.000 euros mantienen una relación estable con las galerías. Además, ha manifestado que le ha llamado "tristemente" la atención conocer que los hombres obtienen un "mayor nivel de ingresos" que las mujeres.

Durante la presentación, Marta Pérez Ibáñez ha afirmado que "garantizar" el anonimato de los artistas encuestados les ha permitido conocer datos "muy concretos" sobre ellos, y que "casi 300 artistas" han dejado comentarios sobre su vida, lo que les ha permitido conocer "cómo están viviendo".

Es el propio sector del arte es el que "subvenciona" el arteAsimismo, Pérez Ibáñez ha dicho que a nivel internacional "faltan" estudios de esta "envergadura" y que la situación de los artistas en España es "mucho más precaria" que en otros países.

Por su parte, Isidro López-Aparicio ha comentado que las conclusiones que han sacado del estudio han sido que el propio sector del arte es el que "subvenciona" el arte, que la relación estable de los artistas con el mercado "sigue siendo un objetivo", y que la creación artística es una "necesidad" aunque "no sea rentable".



Los autores de la publicación han desarrollado durante más de dos años esta investigación para analizar los aspectos más destacables de la economía de los artistas españoles y de su relación con el mercado, y específicamente de cómo han evolucionado dichas relaciones desde el inicio de la crisis de 2008. El objetivo de este estudio ha sido, según sus autores, aportar una visión económica y profesional de los artistas plásticos y visuales en España.

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http://www.elconfidencial.com

Las obras de 'Kandinsky y Rusia' ya están en Tabacalera

Técnicos descargan las obras, ayer, en el Museo Ruso.
Técnicos descargan las obras, ayer, en el Museo Ruso. MUSEO DE ARTE RUSO DE SAN PETERSBURGO

Las 78 piezas de la exposición llegaron ayer al Museo Ruso tras un viaje de 4.500 kilómetros


Las 78 piezas de Kandinsky y Rusia, que componen la próxima exposición temporal que albergará la Colección del Museo Ruso de Málaga,llegaron ayer a la pinacoteca. Las obras, de las que 29 son obras del propio Kandinsky (21 óleos, siete xilografías y una cerámica), entraron en el recinto de Tabacalera rodeadas de fuertes medidas de seguridad y en un camión procedente de San Petersburgo, después de recorrer unos 4.500 kilómetros.

La muestra temporal Kandinsky y Rusia se inaugurará el próximo 21 de febrero, y el público podrá visitarla a partir del día 22, al igual que la muestra La dinastía Románov, que constituye la nueva colección anual del centro. Asimismo, durante hoy y mañana, los visitantes podrán ver el montaje de la nueva exposición, ya que en horario de 17:00 a 19:00 habrá visitas guiadas. La entrada es libre y gratuita. No obstante, por la mañana el museo permanecerá cerrado. También durante estas dos tardes, a las 18:00, los visitantes interesados podrán dialogar con un técnico de promoción cultural, hoy sobre Kandinsky y Rusia y mañana sobre La dinastía Románov. Por otro lado, del sábado 18 al lunes 20 de febrero, el centro permanecerá cerrado, ultimando detalles para la presentación.


El pasado viernes también llegaron a la Colección Museo Ruso de Málaga las 247 obras de La dinastía Románov. El Museo Ruso se encuentra inmersa así en un proceso de desmontaje y montaje de sus nuevas exposiciones. La dinastía Románov recorre a través de 247 obras de diferentes artistas los tres siglos de reinado de los Románov, desde su llegada la monarquía en 1613 hasta 1917, de Miguel I a Nicolás II, quien tras abdicar fue brutalmente asesinado junto a su familia en 1918. Por su parte, la exposición temporal Kandinsky y Rusia se compone de obras procedentes del Museo Ruso de San Petersburgo y de otras colecciones públicas y privadas de Rusia. También hay iconos, grabados y otros elementos etnográficos. Esta exposición desvelará nuevos aspectos del genio y creador de la abstracción hasta ahora menos conocidos. Para profundizar en el perfil de Kandinsky y su relación con otras disciplinas artísticas, el centro inaugurará a su vez un espacio didáctico complementario bajo el título de Arnold Schönberg y Vassily Kandinsky, que estará abierto al público hasta julio.

martes, 14 de febrero de 2017

Lienzo de metal: Arte en muro que divide a Estados Unidos y México

Lienzo de metal: Arte en muro que divide a Estados Unidos y México

Por Alejandro Domínguez del Hoyo


El muro que ha anunciado el presidente de Estados Unidos Donald Trump acompaña a los mexicalenses desde hace varias décadas y pasó de ser una frágil malla ciclónica a hojas de acero o barras metálicas, como sea, el ingenio mexicano ha utilizado el frío metal como lienzo para expresar su arte.
Foto: La Voz de la Frontera

Foto: La Voz de la Frontera

A lo largo del muro metálico, encontramos una serie de manifestaciones artísticas que van desde los anun-cios publicitarios, pasando por las expresiones de protesta por la política estadounidense, otros entre los que se expresa la hermandad de los pueblos mexicano y estadounidense, pasando por las imágenes bíblicas y el muchas veces indescifrable graffiti.

También tenemos invitaciones a pasar la barrera, como la pinta en la que se lee “penétrame”, en otra se cuestiona la lealtad mexicana con la simple pregunta ¿de qué lado estás?


Foto: La Voz de la Frontera

Foto: La Voz de la Frontera

Lee también: Los Pelones, poniendo ambiente en el cruce internacional


Por rumbos de la garita Oriente, se encuentra una pinta que nos provoca la ilusión óptica de que en un tramo el muro ha desaparecido, esto logrado a base de pintura color celeste que puede engañar al incauto y creer que en realidad ahí no hay nada.


La gran mayoría de estas pinturas se han realizado con apoyo de artistas pertenecientes a diversos colectivos, que han plasmado su talento y donado su tiempo para expresar la relación entre México y Estados Unidos.

Foto: La Voz de la Frontera

Foto: La Voz de la Frontera
Gran visual

Aunque se ha dado gran importancia al muro, no todos ven algo negativo, ya que puede ser una gran oportu-nidad de tener un mayor espacio para la expresión artística, por lo que de construirse, puede convertirse en un elemento visual de gran importancia.


No te pierdas: Muro fronterizo costaría 21 mil 600 mdd, según reporte de EU

Foto: La Voz de la Frontera

Foto: La Voz de la Frontera

Para el pintor mexicalense, Carlos Coronado, el muro que pretende construir el presidente Donald Trump y que por supuesto, no pagará México, va a ser algo beneficioso para la visual, pero para los animales, las tor-tugas, si cierran esto, va a ser un ecocidio.


Sin embargo, independientemente de los daños que pudiera ocasionar, el muro será algo muy positivo para la visual, verlo por la carretera serpenteando como el Río Colorado rumbo a la carretera a Sonoyta.

Foto: La Voz de la Frontera
Foto: La Voz de la Frontera
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Budapest lleva al Thyssen sus más preciados tesoros

Budapest lleva al Thyssen sus más preciados tesoros
Los restauradores del Thyssen, trabajando para finalizar el montaje de la Exposición Obras Maestras de Budapest (Museo Thyssen-Bornemisza)


  • La capital húngara posee la mejor colección de pintura española en el extranjero: Velázquez, Goya, Zurbarán y Murillo


El Museo Thyssen-Bornemisza inaugura las celebraciones del 25 aniversario de su apertura con una de las exposiciones del año: Obras maestras de Budapest , 90 obras de Durero, Da Vinci, Rubens o Manet que viajan a España en coincidencia con el cierre del Museo de Bellas Artes de la capital húngara.
La exposición, que se abre el próximo día 18, recorre desde el Renacimiento a las vanguardias con pinturas, dibujos y esculturas de las escuelas italia, alemana, flamenca o española con nombres como Rafael, Velázquez, Van Dyck, Tiépolo, Cezanne y Pissarro e interesantes ejemplos de artistas húngaros.
La exposición recorre desde el Renacimiento a las vanguardias con pinturas, dibujos y esculturas de las escuelas italia, alemana, flamenca o española
Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua, está organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Budapest -cerrado por obras de renovación hasta marzo de 2018-, y la Galería Nacional de Hungría -donde se exhibe temporalmente parte de su colección-.
El recorrido por la muestra se articula en torno al Renacimiento en el Norte, que muestra la pintura alemana del siglo XVI a partir de artistas como Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo y Hans Baldung Grien y el Renacimiento en el Sur, que contará con ejemplos de Leonardo da Vinci, Lotto, Rafael y Bronzino.




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Los Restauradores y todo el @museothyssen, trabajando duro para finalizar el montaje de la Exposición Obras Maestras de Budapest.
El Barroco en Flandes y Holanda, con piezas de Rubens y van Dyck; el Barroco en Italia y en España, que exhibirá lienzos de Annibale Carracci, Alonso Cano y Velázquez; el siglo XVIII en Europa, de la mano de Sebastiano Ricci y Giambattista Tiepolo, o piezas de maestros centroeuropeos poco conocidos en España son los protagonistas de otras de las secciones.
Se completa con "un excepcional" conjunto de esculturas de Franz Xaver Messerschmidt; una sala monográfica dedicada a la nueva imagen de la mujer, con obras de Manet a Kokoschka, y, por último, la modernidad: de Pissarro a Bortnyik, que presentará el arte internacional desde el siglo XIX hasta la I Guerra Mundial.
El Museo de Bellas Artes de Budapest tiene en la actualidad fondos con más de 100.000 piezas
El Museo de Bellas Artes de Budapest tiene en la actualidad fondos con más de 100.000 piezas, resultado de la suma de varias colecciones antiguas, principalmente la de los duques Esterházy, adquirida por el Estado húngaro en 1870, a la que se unieron poco después otras como las del abogado Miklós Jankovich o la del arzobispo János László Pyrker. Además de la colección de pinturas de maestros antiguos, que es la más significativa, el museo alberga importantísimos ejemplos de obras sobre papel, esculturas, antigüedades griegas, romanas y egipcias y piezas modernas.
El museo de Budapest se creó en 1896, coincidiendo con la celebración del milenario de la fundación de Hungría, aunque no abrió sus puertas hasta diez años más tarde. Hacia 1913, ya incluía entre sus fondos arte moderno húngaro como una categoría propia, conjunto que se fue incrementando hasta que, en 1957, se decidió separarlo del resto del arte europeo, creándose oficialmente la Galería Nacional de Hungría. A partir de ese momento, el museo se concentró en las obras europeas, desde la Antigüedad hasta la actualidad, y el arte nacional quedó a cargo de la nueva galería.


Ultimando detalles para la inauguración de la exposición 'Obras maestras de Budapest'
Ultimando detalles para la inauguración de la exposición 'Obras maestras de Budapest' (Museo Thyssen)
En 1975, el museo le transfirió también sus fondos de maestros antiguos húngaros, de la Edad Media al Barroco, así como piezas de artistas nacionales de los siglos XVII y XVIII, y se creó una sección contemporánea, con arte húngaro posterior a 1945.
Recientemente se ha planteado una nueva estructura institucional, que no separe las colecciones según la nacionalidad de los artistas, es decir, que vuelvan a estar juntas las obras de maestros antiguos, tanto internacionales como húngaros, y los retablos medievales se agrupen en el Museo de Bellas Artes. Por eso se está reformando su edificio y pronto se iniciará la construcción de la nueva sede de la Galería Nacional de Hungría, en la que se depositarán las colecciones húngaras e internacionales de los siglos XIX y XX.
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lunes, 13 de febrero de 2017

Museo rinde homenaje al aporte de los inmigrantes al arte de Estados Unidos

    
Resultado de imagen de Guggenheim de Nueva York

                              Exposición surge ante políticas migratorias de Donald Trump
               Muestra en Nueva York recuerda a cinco coleccionistas extranjeros
Nueva York. AFP. El museo Guggenheim de Nueva York rinde homenaje en una nueva exposición a los coleccionistas que le dieron su identidad, una ocasión para recordar la contribución de los inmigrantes al arte estadounidense frente al proteccionismo del gobierno de Donald Trump.
La exposición Visionarios: Creando un Guggenheim Moderno , que abrió el pasado viernes, recuerda al fundador del museo, Solomon R. Guggenheim, uno de los mayores coleccionistas del siglo XX, pero también a otros cinco grandes amantes del arte cuyas obras insuflaron vida al museo.
Entre ellos figura la nieta del fundador, Peggy Guggenheim, que como el comerciante de arte Justin K. Thannhauser, huyó del nazismo para instalarse en Estados Unidos. Otros dos coleccionistas celebrados son Karl Nierendorf y Hilla Rebay, inmigrantes alemanes.
El director del museo, Richard Armstrong, no dudó en trazar un paralelo entre el periodo de la Segunda Guerra Mundial y la época actual.
“No es un secreto que en estos tiempos principios fundamentales como la tolerancia y el pensamiento crítico están siendo desafiados”, dijo en la presentación de la exposición.
Algunos de los artistas expuestos debieron enfrentar “desafíos similares”, recordó. “En su época, encontraron un refugio, un hogar y la libertad en Estados Unidos”, agregó.
Desde la elección de Trump, el 8 de noviembre, y después de su investidura, el mundo artístico expresó su malestar contra él de diferentes formas: a través de la moda, la música, el video o la fotografía.
A inicios de febrero, otro museo de Nueva York, el Museo de Arte Moderno (MoMA), eligió exponer obras de artistas originarios de varios países musulmanes que son blanco del decreto migratorio de Trump, actualmente suspendido por la justicia estadounidense.
Arte foráneo. Desde los años 30, bastante antes de la apertura de su museo, Solomon R. Guggenheim abrió al público su colección, y los artistas europeos influenciaron a una generación de artistas estadounidenses.
Debido a la guerra y el nazismo, varios de estos artistas europeos emigraron luego a Estados Unidos. En Nueva York, en los años 40, nació “un medio cultural entusiasta donde los artistas europeos y estadounidenses se cruzaban”, explicó a la AFP Megan Fontanella, curadora de la exposición.
La muestra, abierta hasta el 6 de setiembre, festeja a pintores y escultores de fines del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX, de Pablo Picasso a Piet Mondrian, pasando por Edouard Manet, Vassily Kandinsky y Amedeo Modigliani. Hay en total 160 piezas de 70 artistas.
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domingo, 12 de febrero de 2017

El museo Guggenheim celebra sus raíces inmigrantes en la era Trump




El museo Guggenheim celebra sus raíces inmigrantes en la era Trump
(FOTO: TWITTER - @GUGGENHEI

El museo Guggenheim de Nueva York rinde homenaje en una nueva exposición a los coleccionistas que le dieron su identidad, una ocasión de recordar la contribución de los inmigrantes al arte estadounidense frente al proteccionismo del gobierno Trump.



La exposición "Visionarios: Creando un Guggenheim Moderno", que abrió el viernes, recuerda al fundador del museo, Solomon R. Guggenheim, uno de los mayores coleccionistas del siglo XX, pero también a otros cinco grandes amantes del arte cuyas obras insuflaron vida al museo.

Entre ellos la nieta del fundador, Peggy Guggenheim, que como el marchand de arte Justin K. Thannhauser huyó del nazimo para instalarse en Estados Unidos. Dos otros coleccionistas celebrados en la exposición, Karl Nierendorf y Hilla Rebay, eran inmigrantes alemanes.

Estos coleccionistas reunieron muchas obras de artistas europeos, recordó Philip Rylands, director de la colección Peggy Guggenheim basada en Venecia y de la cual 23 piezas hicieron el viaje para esta exposición.

El director del museo, Richard Armstrong, no dudó en trazar un paralelo entre el periodo de la Segunda Guerra Mundial y la época actual.

"No es un secreto que en estos tiempos principios fundamentales como la tolerancia y el pensamiento crítico están siendo desafiados", dijo en la presentación de la exposición. Una referencia directa a la política anti-migratoria del nuevo gobierno de Donald Trump.

Algunos de los artistas expuestos debieron enfrentar "desafíos similares", recordó. Hay que recordar que en su época, "encontraron un refugio, un hogar y la libertad en Estados Unidos".

Desde la elección de Trump a la presidencia, el 8 de noviembre, y más aún después de su investidura, el mundo artístico expresó su malestar de diferentes formas: a través de la moda, la música, el video o la fotografía.

Desde comienzos de febrero, otro museo de Nueva York, el Museo de Arte Moderno (MoMA), eligió exponer obras de artistas originarios de varios países musulmanes que son blanco del decreto migratorio de Trump, actualmente suspendido por la justicia estadounidense.
"Un período fértil"

Desde los años 30, bastante antes de la apertura de su museo, Solomon R. Guggenheim abrió al público su colección, y los artistas europeos influenciaron a una generación de artistas estadounidenses.

Debido a la guerra y el nazismo, varios de estos artistas europeos emigraron luego a Estados Unidos. En Nueva York, en los años 40, nació "un medio cultural entusiasta donde los artistas europeos y estadounidenses se cruzaban", explicó a la AFP Megan Fontanella, curadora de la exposición.

"Fue un periodo fértil" en el plano artístico, que vio sobre todo la emergencia del pintor estadounidense Jackson Pollock, subrayó.

La exposición, abierta hasta el 6 de setiembre, festeja a un amplio abanico de pintores y escultores de fines del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX, de Pablo Picasso a Piet Mondrian pasando por Edouard Manet, Vassily Kandinsky y Amedeo Modigliani.

Hay en total 160 piezas de 70 artistas, incluidos estadounidenses como John Ferren, Irene Rice Pereira o Claire Falkenstein.

La obra más antigua es una pintura de Camille Pissarro de 1867. La más reciente, una tela de Jackson Pollock, pintada en 1947.

Para la curadora, el museo Guggenheim, que fue creado en 1939 pero recién se instaló en su actual edificio en 1959, se benefició directamente de este soplo de aire fresco llegado del extranjero.

"Tantos artistas como figuras de la cultura hallaron un refugio aquí", dijo, "y contribuyeron al final a darle forma a nuestra institución".

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http://www.180.com.uy

sábado, 11 de febrero de 2017

"Pinta la Revolución" expone puentes artísticos de México con EE.UU. y Europa


"Pinta la Revolución" expone puentes artísticos de México con EE.UU. y Europa

La muestra "Pinta la Revolución 1910-1950", que se puede visitar en el Palacio de Bellas Artes de México desde hoy y hasta el 7 de mayo, expone los puentes artísticos del país latinoamericano con EE.UU. y Europa a partir de más de 220 obras que reinterpretan el canon del arte moderno mexicano.
Catalogada como una de las mejores exposiciones del año por The New York Times, la muestra llegó este jueves al Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA), en Ciudad de México, después de ser expuesta en el Philadelphia Museum of Art.
El gestor de exposiciones del MPBA, Julio Pérez, afirmó a Efe que el periodo entre 1910 y 1950 "es muy importante en la historia del arte mexicano porque retrata una serie de perspectivas artísticas que nutren la ideología nacional y que forjan lo que somos hoy como mexicanos".
Una de las intenciones de la exposición es demostrar el vínculo artístico entre México y Estados Unidos después de la llegada a la Casa Blanca de Donald Trump, con su obsesión por construir un muro entre las dos naciones.
"Estos muros no son más que barreras que no son útiles para la sociedad. La colaboración de estas dos naciones hermanas puede dar resultados tan completos y precisos como los que tenemos en la exposición", afirmó Pérez.
Una de las comisarias de la exhibición multidisciplinar, Dafne Cruz Porchini, explicó a Efe que la muestra "recuerda que el contacto internacional con Europa y Estados Unidos enriqueció ese periodo de la historia del arte mexicano".
"Generalmente se piensa que el arte mexicano se produjo de forma muy aislada, pero la exposición muestra que la zona de contacto entre artistas mexicanos en Estados Unidos y en Europa fue muy importante", subrayó.
La muestra, dividida en cinco secciones temáticas (Modernismo y mexicanidad, Pinta la Revolución, En la Ciudad, Pinta los Estados Unidos y Alegorías oscuras), cuenta con obras nunca antes vistas en México de artistas como Diego Rivera (1886-1957) y David Alfaro Siqueiros (1886-1974).
El estadounidense que dio nombre a esta exposición fue el periodista John Dos Pasos, quien llegó a México en 1923 y quedó fascinado por la Revolución Mexicana iniciada en 1910 y el arte muralista. Fruto de esta inspiración escribió el artículo "Pinta la Revolución".
Otros artistas de EE.UU., como los fotógrafos Tina Modotti, Edward Weston, Henri Cartier-Bresson, cuyas obras están incluidas en la exhibición, viajaron al país latinoamericano debido a su inspiración en la Revolución Mexicana, la cual homologaban a la Revolución Rusa (1917).
La comisaria Cruz explicó que el muralismo es considerado la gran aportación mexicana al ámbito artístico internacional, disciplina que fue patrocinada como arte de Estado y que desde los inicios de la década de 1920 "trató de comprometer a la sociedad".
Uno de los muralistas mexicanos más importantes, Diego Rivera, viajó y estudió en Europa, donde asimiló la influencia del cubismo y fortaleció su simpatía con el comunismo ruso a partir del movimiento de vanguardia de ese país, experiencia que se refleja en los elementos visuales de sus obras.
Asimismo, Pérez recordó que David Alfaro Siqueiros combatió en la Guerra Civil Española (1936-1939) y "a partir de ese contacto que tiene con la violencia del fascismo español genera una muy marcada tendencia a manifestarse en contra de todo este tipo de pensamientos".
Siqueiros también viajó mucho por Europa, y precisamente su primer manifiesto, titulado "Manifiesto a los artistas de América Latina", lo realizó en Barcelona en 1921, añadió Cruz.
La exposición no solamente congregan muralistas, sino también grabadores, pintores de caballete, fotógrafos y escritores, ya que uno de los principales objetivos es ampliar el punto de vista del arte moderno mexicano más allá del muralismo, apuntó por su parte Pérez.
A partir de la tecnología se pudo reproducir el "Retrato a la Burguesía", de Siqueiros, situada en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (Ciudad de México), reproducción que "emula la experiencia de estar en ese cubo de esa escalera con la misma perspectiva que generaron los artistas", dijo el historiador.
Pese a que la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y la Guerra Civil Española ejercieron una influencia en los artistas mexicanos, que tienen una tendencia política marcada, también hay grupos de artistas que se deslindan por completo de ello, aseguró Pérez.

Entre estos están los estridentistas, quienes renegaban de esta iconografía rural marcada por los muralistas, y los contemporáneos, que abogaban por una estética que estuviera deslindada de cualquier ideología política y cuyo elemento fundamental fuera la apreciación estética de la propia obra.
Fuente
http://www.hoylosangeles.com

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