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miércoles, 28 de septiembre de 2016

El arte de colgar un cuadro

El arquitecto Álvaro Siza, en su estudio con los planos de la exposición.
                   El arquitecto Álvaro Siza, en su estudio con los planos de la exposición. 
El arquitecto Álvaro Siza construye los espacios para la exposición de Miró en Oporto
La fiesta de los pájaros y las constelaciones sale del camión en brazos de seis personas. “Al comedor”, ordena Inés Venade. “Bajen antes todos los estores”. Venade es the register, la responsable de certificar el transporte de cada obra y el mínimo incidente si lo hubiera. La fiesta de los pájaros y las constelaciones(1974) es una de las estrellas de la histórica exposición que prepara en Oporto laFundación Serralves y que abrirá al público el sábado. Un lienzo de apenas dos palmos de largo pero con cuatro metros de altura. La caja que contiene el óleo se deja en el suelo a la espera de ser colgado.
Álvaro Siza Vieira recibió este verano un encargo insólito: colgar 85 cuadros de Miró en una casa. “En más de medio siglo de carrera tan solo hubo un precedente, una colección de fotos, que dispuse en mesas”, recuerda el laureado arquitecto, premio Pritzker 1992. “Entonces, como ahora, el problema era el mismo. El lugar de la exhibición es una monumento nacional y no se puede tocar nada”. La Casa Rosa de la Fundación Serralves es la mayor muestra portuguesa de art decó. Un capricho loco del conde de Vizela, que contrató a los mejores artesanos europeos para levantar esta casa, testimonio único de los años treinta.
Siza despliega planos y más planos. “No se pueden herir las paredes ni los techos. La casa tiene una carga expresiva muy fuerte, y Miró también. ¿Cómo conciliar esos dos mundos?”. El arquitecto se reunió con el comisario de la exposición Robert Lubar y la directora artística del museo Serralves, Suzanne Cotter. “Les propuse mantener la casa sin intervención. Consideré que Miró no podía perjudicar a la casa, pero tampoco la casa a Miró. Me vinieron a la cabeza imágenes de los estudios de Picasso y Miró. Es curioso que los dos tuvieran sus obras esparcidas por el suelo en casa barrocas, recargadas. Esas dos riquezas se potencian”. Siza desechó la primera idea del estudio “porque no había tiempo y daba muchos problemas de seguridad y de seguros. Llegamos a una solución intermedia para la colocación de los cuadros: crear unos paneles independientes de las paredes, pero de su mismo color”
“Pensamos paneles colectivos y paneles específicos para cuadros que medían cuatro metros. También los suelos de tablas de distintos tonos fuertes tenía un protagonismo que no podíamos olvidar”. Y así, Siza fue llenando su estudio de planos, con visión cenital, de frente, de perfil, para visualizar al máximo el trabajo de los carpinteros y pintores.
“Yo trabajaba sobre la disposición pensada por el comisario. Le mandaba un plano para el trípode de La fornarina y él lo rectificaba, o no, en función del espacio. Al final llegamos a acuerdos”. La iluminación de la casa no servía, pero tampoco los focos podían colgar de los techos. “Incorporé el canal eléctrico en cada panel, lo que nos permitía redirigir la luz exacta a cada cuadro. Afortunadamente, las paredes tienen tomas eléctricas de origen”.


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Varios 'mirós, apoyados en las paredes antes de ser colgados. ANA BRIGIDA


Esos marcos

En cada plano figura en miniatura el cuadro que va y la distancia entre los paneles. “Forman ángulos, pero nunca cerrados. Dejo que fluya el espacio entre ellos. Es frecuente la crítica de que el arquitecto a veces quiere ser el protagonista”, reflexiona Siza, que nunca podrá ser acusado de tal pecado. “La fuerza de la pintura de Miró resiste todo, además el ambiente de la casa es muy sereno, creo que le da otro protagonismo a la obra”.
Pues todo solucionado. Hasta que Siza se fijó en los marcos horrorosos de varias obras. “Fue otro debate; había varias molduras que quería sustituir. Intentamos retirarlas, pero la compañía de seguros nos lo prohibió por riesgo a dañar la obra. En el caso de dos tapices, con cajas no muy afortunadas, nos han dado permiso para sacarlos de ahí”.
Siza no ha visto los cuadros más grandes, que llegan en un camión especial, bajo el control de Venade, pero se los sabe de memoria. “¿Mi preferido? Ninguno, todos. Son de todas las épocas, desde los treinta a los ochenta. Lo interesante es la evolución de la obra, esa explosión de la alegría de Miró”.
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Compradores de arte en México, solo para diversificar inversiones

México carece de una cultura de consumo del arte y la minoría de la población que cuenta con el poder adquisitivo para la compra de obras como la pintura se ha vuelto especulativa y utiliza piezas como una plataforma de inversión y aseguramiento de patrimonio a largo plazo, lamentó el artista plástico Edmundo Ocejo.
En entrevista, el pintor con más de 20 años de trayectoria afirma que es muy lamentable que la gente que tiene el gusto por la pintura no se arriesgue por obras de pintores jóvenes y en cambio busque autores ya con cierta trayectoria para asegurar su inversión.
“La mayoría va en busca de un nombre y no por el gusto por la pintura. La mayoría busca una plataforma de inversión que asegure su patrimonio”, destaca Ocejo al comentar que el mercado está muy contraído y es una aventura dedicarse a la pintura pues es un camino muy complejo.
Edmundo Ocejo es diseñador gráfico por la Universidad Iberoamericana y se acercó al mundo de la pintura principalmente de la mano de Ignacio Salazar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.
Su estilo lo define como propio pero con gran influencia del impresionismo y el muralismo mexicano y de la literatura, en especial, la poesía.
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El Museo Nacional de Escultura renueva su imagen en internet




Consciente de la importancia de proporcionar una visita virtual de calidad, el Museo estrena portal el Día Mundial del Turismo.

El Museo Nacional de Escultura de Valladolid ha aprovechado el Día Mundial del Turismo para presentar su nueva página web. La nueva puerta creada por internet ha permitido que un nuevo tipo de visitante se adentre en los museos: el visitante virtual o e-visitante.
Las webs de los museos son cada vez más importantes para la institución y más visitadas por los internautas. El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través de la Subdirección General de Museos Estatales y de su Servicio Web, es consciente de ello y en el último año ha rediseñado y volcado a un nuevo gestor de contenidos el portal de museos tan emblemáticos como el Sorolla, el Museo de Arte Romano de Mérida, el Museo del Traje o la Casa Museo Cervantes de Valladolid, a los que acaba de sumarse, en el Día Mundial del Turismo, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
La nueva herramienta se llama Magnolia y ya se ha aplicado al mundo de las finanzas, el turismo, la moda o la comunicación, contando entre sus ventajas con una flexibilidad que le permite incrementar la diversidad de servicios ofrecidos en el sitio web cuando se necesita, y añadir nuevas funciones tecnológicas para poder enfrentar nuevos retos.
Además del contenido, que incluye toda la información necesaria sobre el centro (localización, horarios, precios, etc.), sus colecciones de escultura y pintura, edificios y organización interna, el Museo ha prestado especial interés en la parte más visual, con galerías de imágenes, vídeos y visitas virtuales, además de una renovada portada que, en su distribución en forma de retícula, hace un guiño a la intervención arquitectónica de los arquitectos Nieto Sobejano en el espacio de recepción de los visitantes.
Y es que el propósito final del equipo de comunicación del centro es hacer que la visita virtual se materialice en la visita real, con más de 38.000 usuarios y 231.000 visitas recibidas a la antigua web en el 2015 (un 10 % más que el año anterior). Ello es más que probable si se tiene en cuenta que los ciudadanos de Valladolid son los que más se asoman a esta ventana virtual, seguidos por los madrileños, los valencianos y los barceloneses.

Web
http://www.mecd.gob.es

Fuente
http://www.noticiascyl.com

martes, 27 de septiembre de 2016

David Černý


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David Černý (Praga, 25 de diciembre de 1967) es un escultor checo, conocido sobre todo por la controvertida temática de algunas de sus obras.

Entre los años 1988 y 1994 estudió Diseño y más tarde Artes Plásticas en la Universidad de Artes Aplicadas en Praga. En el año 1991 estudió en la Universidad de Boswil en Suiza y entre los años 1994 - 1996 estudió en Nueva York, primero como miembro del programa P.S.I. artists residence y después del Whitney museum Independent study program.




Es una escultura de un coche Trabant que tiene piernas. Simboliza el escape masivo de los habitantes de la República Democrática Alemana hacia la Alemania Occidental por la embajada de Alemania en Praga en el año 1989. La gente que quería escapar venían a Praga en sus coches y después los dejaban abandonados delante de la embajada para siempre. Hoy en día está en el jardín de la embajada la reproducción de la escultura de bronce.

Desde el año 1945 el tanque número 23 estaba colocado en la plaza de Smíchov en memoria de liberación de Praga por el Ejército Rojo a finales de la segunda guerra mundial. En el año 1991 el artista David Černý con un amigo pintaron el tanque de color rosa como reacción de política exterior de Rusia. Hoy en día el tanque está colocado en el Museo militar de Lešany.





Esta estatua muestra el soberano checo San Venceslao sentado sobre la barriga de su caballo muerto. Podemos encontrarla en la Galería Lucerna, en la calle Vodičkova, en el centro de Praga, al lado de la plaza de Venceslao donde podemos encontrar la estatua original de San Venceslao montando su caballo.

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Otra de las obras famosas de David Černý son Los bebés. Son trece estatuas de bebés deformados. Diez de laminado negro, que están escalando por la Torre de Televisión de Žižkov. Con la “ayuda” de esos bebés obtuvo el segundo lugar de las construcciones más feas del mundo según las páginas de Virtualtourist.com. Otros tres de bronce están colocados delante del museo del arte moderno en el parque Kampa, en el centro de Praga, al lado del río.

Viselec (“colgado”)
Así se llama la estatua de Sigmund Freud que está colgada de techo de un edificio en la calle Husova en Praga. La estatua se hizo en el año 1997 y el autor dice sobre ella que quería interpretar el estado de un intelectual de fin del siglo veinte. Una mano de la estatua agarra el palo y la otra la tiene en el bolsillo, esto simboliza una situación desesperada pero con la cuál estamos bastante resignados.


Los hombres haciendo pis (“corriente”)
Hombres orinando.
Son dos estatuas de hombres de bronce haciendo pis. Tienen 210 cm de altura. Están manejados por un mecanismo electrónico que les permite moverse y escribir con el chorro letras en la laguna que hay bajo ellos que tiene el contorno de las fronteras de la república Checa. Normalmente “escriben” unas citas checas famosas pero es posible mandar un sms al número de teléfono que está al lado de las estatuas con un texto propio y ellas lo pueden escribir.
Brownnosers
Son dos mitades de los cuerpos masculinos, que están agachados, con una escalera hasta sus traseros. Dentro de las estatuas se puede ver un vídeo del anterior presidente checo Václav Klaus y un artista checo Milan Knížák alimentado el un al otro. Es una metáfora de la política checa. Las esculturas están colocadas en la galería Futura en Praga.
Carne (coches rojos)
Son dos cocher rojos colgados en el edificio del centro cultular MeetFactory. El centro está abierto desde el año 2007 y sirve para organizar exposiciones o conciertos. El centro se encuentra cerca del estación de trenes Smíchov, en Praga.
London Booster
London Booster, en Londres.
Es una réplica del famoso autobús inglés que tiene forma de un atleta con dos brazos grandes con las cuáles hace flexiones. El autobús fue diseñado especialmente para los Juegos olímpicos de verano que se celebraron en el año 2012 en Londres. Durante los juegos la estatua estaba delante de la casa Checa en Londres. Ahora mismo lo podemos encontrar en la parte de Praga - Chodov.
K
Una de las últimas obras de David Černý es cabeza del escritor Franz Kafka. La cabeza tiene cuarenta y dos plantas y cada de las plantas se puede mover individualmente.La estatua mide diez metros y está puesta en Národní třída en Praga dónde forma parte de la reconstrucción y modificación de la estación de metro y los alrededores de esta.
Entropa
Es una de sus obras más conocidas en Europa que ha creado especialmente para la época de la presidencia checa de la Unión Europea en el año 2009. La obra estaba colgada sobre el edificio del Consejo de la Unión Europea en Bruselas. La estatua tiene dieciséis metros de altura y contiene todos los países que forman parte de la UE. Cada país está representado con un estereotipo específico por el que es conocido en otros países de Europa. Los reacciones a esta obra eran muy controvertidas y algunos países han protestado contra la representación de su estado. Al final, el mismo David Černý la dejó quitar como una forma de protesta contra el gobierno checo. Hoy en día la obra está expuesta en la ciudad Pilsen, en la República Checa.

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Apthapi: encuentro internacional de arte

Apthapi: encuentro internacional de arte
Mónica Navia (*)

Si algo duele de la historia entre Bolivia y Chile es la herida de la frontera que cambió de lugar, luego de la Guerra del Pacífico. Para los bolivianos, el impacto fue tan fuerte que desde entonces nuestra cultura se impregnó de discursos y acciones que marcan la falta, el vacío de ese territorio desposeído. Pero este dolor no vino solo: años de "mamar” xenofobia, resentimiento y, sobre todo, discursos aprendidos de nuestros padres y madres, abuelos y abuelas, bisabuelos y bisabuelas han marcado un modo de relacionarnos, de hablarnos, de discutir o de dialogar. No hay conversación, al menos si ésta proviene de parte de un boliviano, que no contemple una broma amarga, una ironía o un reclamo—velado o expreso— sobre la usurpación de territorio de parte del ejército chileno como resultado de la Guerra del Pacífico. Y valga decir que, en muchas familias, tenemos como "infiltrados” tías o primos provenientes del país vecino, a quienes tenemos afecto más allá de toda historia y frontera.

Por esto es importante ponerlo al frente para pensar —y pensarnos— en esta situación que demarca y fortalece una frontera impuesta por la historia. Dentro de esta narrativa, nos situamos bolivianas y bolivianos que vemos cómo atraviesa este dolor nuestros discursos patrios y personales y que terminamos reproduciendo esta frontera desde la sombra de la guerra. Los políticos lo están haciendo a su modo y, en Oruro, un colectivo de artistas, Antiarte, ha decidido entrometerse.  

Pero esta vez ya no se trata de un reclamo marítimo o territorial —también legítimo y necesario—, sino de un "Apthapi. Encuentro Internacional de Arte” en la frontera entre Bolivia y Chile,  organizado por el colectivo de artistas orureños Antiarte, que busca reflexionar acerca de las líneas imaginarias que dividen a ambos países a partir de discursos, de hechos, de imágenes o de lo que cada artista, tanto boliviano como chileno proponga. 

¿Qué es la frontera para un boliviano y para un chileno en esta línea tensa de nuestra historia? ¿Qué propone el nombre de tal encuentro transfronterizo? Esta tradición ancestral, apuntan sus organizadores, evoca o convoca a compartir aquello que artistas bolivianos y chilenos dispongan sobre el amplio mantel de la frontera, un apthapi que permite reflexionar sobre la huella política que nos separa y enfrenta, pero que también nos comunica. 

Se lo piensa desde dos espacios: charlas "in situ” sobre frontera y migración a cargo de especialistas  y la ejecución de obras de artistas chilenos y bolivianos. El destino: las localidades fronterizas de Pisiga, ubicada en el departamento de Oruro, y Colchane, ubicada en la zona norte de la geografía chilena. El evento se llevó  a cabo desde el 23  hasta el  25 de septiembre en ambos espacios territoriales.

Quien organiza este encuentro, el colectivo de arte contemporáneo Antiarte, de Oruro, lleva años promoviendo encuentros artísticos nacionales e internacionales. Lo hace desde la "periferia” (Oruro) y desde la "periferia de la periferia” (arte en Oruro), como bien menciona Alejandro Valdez  (La Patria, 28-7-16). De los nueve encuentros realizados por este grupo artístico, se mencionan: "Pumiri: arte, tiempo, naturaleza, muerte” (2015), "Periferia” (2014) y "Clandestino” (2013) que, como testigo y parte, son por demás propositivos y atrevidos. 

La estética de Antiarte, más bien antiestética y antiartística, como ellos la denominan, es ahora, cuando el arte contemporáneo se ha vuelto cada vez más institucionalizado, un aire tupido de nuevas significaciones sobre qué pensar y proponer en el arte. 

Y en relación con el encuentro en la frontera con artistas del país vecino, Chile, valdrá la pena preguntarse cómo "rayaremos la cancha” bolivianos y chilenos a la luz de más de un siglo de lugares comunes, palabras veladas, infidencias, traiciones, amores, discursos oficiales y mucho más.  También me surge la pregunta de qué diría mi bisabuelo, combatiente de la Guerra del Pacífico, si me viera compartiendo quién sabe qué con chilenos en la mera frontera.

(*) Es artista y docente de la Universidad Católica "San Pablo” y de la Universidad Mayor 
de San Andrés.

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Kiki Suárez



Nace en Hamburgo, Alemania en 1951. Cursa cinco semestres de estudios en pedagogía y literatura y 12 semestres en psicología clínica en la universidad de Hamburgo. Se recibe como psicóloga clínica y psicoterapeuta rogeriana. Trabaja con ancianos y personas menosválidas y facilitadota de grupos de encuentro. Alumna de OSHO y estudios de las terapias de OSHO: una mezcla de elementos del budismo zen con terapias psicocorporales reichianas.

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Llega a México en 1977, se inicia como mamá, empresaria y pintora. Co-fundadora de la escuela del Pequeño Sol en 1983 y estudios de la pedagogía, filosofía y psicología antroposófica de Rodolfo Steiner. Trabaja en la escuela con adolescentes en arte y creatividad. Maestría en terapia guestalt con el instituto INTEGRO de Guadalajara. Retiros de meditación vipassana y aprendizaje del programa de reducción de estrés de Jon Kabat – Zinn de su clínica en Massachussets. Curso en psicología budista (abhidhamma) con Andrew Olendski.


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KIKI se dedica al arte y a la psicoterapia, ofrece talleres en trabajo de duelo y semanalmente dos horas en reducción de estrés y practica de meditación vipassana en su estilo personal.



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lunes, 26 de septiembre de 2016

DEFORMACIONES HECHAS COLOR

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Nayeli Martín del Campo.-
 Apilados unos sobre otros, en una habitación con paredes de vidrio, están los cuadros y esculturas de Víctor Hugo Farías, artista plástico tapatío. A unos pasos de la entrada principal, de lado izquierdo, también está un lienzo con la figura de unperro rabioso que tiene la leyenda: “El miedo se come las almas”.

Al fondo del lugar -pasando algunos tubos de óleo- podemos apreciar las esculturas de bronce del artista: un diablito y un supercristo sobresalen, además de la muerte, entre otros personajes que han cobrado vida gracias a la imaginación de Farías.
¿En qué momento de tu carrera decides hacer esculturas?
La pintura y escultura fueron más o menos de la mano, porque yo quería ver a mis personajes en este mundo en tercera dimensión. Entonces no me resultaba difícil hacer esculturas porque existían de alguna forma en mi mente. Así, con algunas técnicas, como la cerámica o plastilina, lo que quería era traer a estos personajes aquí. Todo eso estaba en mis manos: el poder dibujarlos y hacerlos escultura.
Hay quienes piensan que el folclor o la temática de lo popular en la plástica termina convirtiéndose en artesanía, ¿consideras que es así?
Hay artesanía de mucha calidad, muy expresiva. Es decisión del espectador decidir qué es escultura y qué es artesanía. Creo que es el deseo de no limitar las personalidades de cada expresión. Quizás un escultor, al momento de crear algo, está viendo sombras, luces, colores, cosas así. Sin embargo, yo estoy viendo personajes. La realidad es que la artesanía se hace en volumen, una misma imagen de un personaje. En mi caso la mayoría de mis piezas son únicas. La forma de producción es distinta: son una especie de simbolismos propios. La artesanía busca agradar a alguien más.
¿Cómo llegan los personajes a tu obra?
Siempre estuvieron en mí. Fue por medio de sueños y deformaciones que se hicieron de una personalidad y aparecieron en lo cotidiano. Nunca busqué cambiar mi mano: ya existían estos personajes y al momento de crecer ellos también se desarrollaron. Cuando eres niño puedes imaginar monstruos o también puedes deformar la imagen de las personas, estos personajes venían a mi mente conforme iba creciendo. Entonces si tienes la capacidad de imaginar estos seres y los puedes crear con tus manos, digamos que la tarea está resuelta.
¿Las figuras siempre fueron monstruos y personajes amorfos?
Las figuras vienen más bien de una interpretación emocional. Por ejemplo: puedo ver a una mujer y como metáfora pensar que es un monstruo asesino: una mujer loca, que está desquiciada…¿Por qué? Sencillamente porque está enamorada, obsesionada y persigue a un perro, que en este caso es el amor, porque ella lo que desea es el amor de un ser fantástico. La pieza se llama “Primero te mato antes dejarte ir…”
¿Las esculturas tienen nombre y apellido, están inspiradas en alguien en particular?
La mayoría de las imágenes son alguien. Son alguien que en ese momento emocional, quizás entre divertimentos a veces, y a veces entre realidad, te lo imaginas diferente. Todo es emotivo… Si vemos a una persona con agrado le encuentras detalles que le dan mayor belleza que los que realmente tiene o viceversa, le encuentras más defectos. Así son los personajes en el momento en que los pinto.
¿Qué buscas expresar con tus personajes?
La mayoría de las esculturas representan historias pequeñas, relaciones entre hombre y mujer, o relaciones amorosas, casi siempre es eso. Muchas veces las esculturas están hechas con humor. Algunas personas me preguntan que si me gustan los alebrijes, pero yo nunca pensé en hacer alebrijes, sólo he leído, pero creo que lo único que tengo en similitud con esta expresión es la imaginería. Casi siempre mis esculturas son de figuras humanas y tienen inclinaciones sexuales.
¿Has pensado en la redacción de textos para complementar tus ideas?
Tengo títulos largos. Creo que con eso las personas pueden imaginar cosas. Por ejemplo, una pieza se llama “Nunca vuelvas a matar a mi amor”. En esta imagen se ve a una chava “cagando” al perro que mató a su pájaro. Pienso que las obras son muy evidentes, que tienen un mensaje muy claro, que del humor también van a encontrar una especie de reflexión. Yo no tengo mucho que decir, así que quizás las personas, con imaginación, pueden agregarle cosas más interesantes.
¿Es mejor ser objetivo o subjetivo dentro del arte?
Mi trabajo es figurativo. Creo que soy más simbólico. Mi obra es muy clara: no hay mucho que inspeccionar. “El secreto” está descubierto, si las personas quieren hacer un análisis, pues también se vale. Creo que no se puede interpretar todo -no de una manera general-, así que la gente va a decir lo que quiera dependiendo de su cultura, tanto en lo referente a lo intelectual como en lo religioso.
¿Qué opinas de las nuevas generaciones de artistas plásticos?
Pienso que hay generaciones muy buenas. También creo que todos quieren ser pintores realistas, algo que me llama mucho la atención, debido a que lo hacen muy bien, pero no sé por qué ya nadie quiere ser un artista figurativo, pareciera que en Guadalajara si no eres realista no tienes la capacidad técnica para ser un buen artista. Esta situación al mismo tiempo limita para que los creativos puedan reflejar de una forma más auténtica su propio mundo.
¿Crees que el arte todavía funciona para cambiar y mejorar socialmente a las personas?
Yo creo que sí. A mí me cambió. En mi casa la palabra arte no se usaba. Cuando en la secundaria vi los murales de José Clemente Orozco el arte me cambió. Si no hubiera sido por eso, no sé a qué me hubiera dedicado. Ves la pintura, las obras, y cambias. La vida puede dar un giro cuando tienes una aproximación al arte, de esa manera reflexionas sobre algo. La reflexión hace que tengas otra idea, algo puede generar un cambio en las personas.
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El escultor Botero regala a Colombia la “Paloma de la paz”

El escultor Botero regala a Colombia la “Paloma de la paz”

BOGOTÁ 
Agencia/AP
El presidente Juan Manuel Santos develó el fin de semana en el palacio de gobierno la escultura la Paloma de la paz con la cual el famoso artista colombiano Fernando Botero respaldó el acuerdo alcanzado con la guerrilla de las FARC, que el lunes 26 de septiembre será rubricado en el ciudad de Cartagena.
Con una paloma blanca regordeta de 70 centímetros de altura con el pico dorado “me uno a este proceso transcendental de la paz en Colombia”, escribió Botero en un mensaje leído por Santos durante la ceremonia en la que se presentó la escultura en bronce y que en adelante reposará en la Casa de Nariño, en el centro de Bogotá.
Botero, nacido en Medellín en 1932, no pudo asistir al evento pero envió unas palabras en que se mostró congratulado por el acuerdo del que dijo brindará “un futuro de esperanza e ilusión a todos los colombianos”.
“¡Enhorabuena por Colombia!”, expresó.
El regalo del escultor ambienta el preludio de la firma del texto en Cartagena, un acto al que asistirán varios mandatarios de América y los dirigentes de organizaciones internacionales como la ONU y la OEA.
El presidente Santos sostuvo que la escultura de Botero “va a inspirar a millones de colombianos a decirle sí al fin de la guerra”.
De esta manera el primer mandatario recordó que el próximo 2 de octubre está previsto un plebiscito en el que los colombianos decidirán en las urnas si aprueban el acuerdo.
Para que sea refrendado se necesitan poco más de 4,5 millones de votos de los 35 millones de ciudadanos aptos para sufragar. Según encuestas privadas recientes, el “sí” cuenta con una ventaja amplia.
En la ceremonia del fin de semana, Santos destacó el ingenio de varios artistas colombianos que desde la cultura han contribuido a la paz como es el caso del músico César López quien creó la “escopetarra” (una guitarra sobre una escopeta).
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Milo Lockett: "Todo arte es político"

Milo Lockett:

El pintor festejó el día de la primavera en su bar de Palermo. "Necesitamos más artistas que se involucren en la educación del arte", dijo.




El día de la primavera comienza a hacerse sentir en Palermo. Los oficinistas comienzan a llenar las veredas, otros se sientan en los bares a festejar el cambio de temporada. 
Milo Lockett toma cerveza mientras charla con amigos. Campera de cuero negra, barba espesa y pintura blanca en las manos, rastros de su trabajo.
"Me gusta ser un artista popular, porque creo que el arte debe ser parte de la vida cotidiana", dice Lockett a Arg Noticias, en la vereda del glamoroso Milo Lockett Bar (Costa Rica 5560).
-¿Qué te llevó a poner un bar?
Fue una propuesta que me hicieron, sabiendo que soy un animal de bar. Tuve bares desde muy chico, este es el número nueve. Nunca me imaginé que iba a tener estas características. Está muy arriba, tiene una propuesta gastronómica muy excita, es temático con música y que gira alrededor de mi obra. Me parece que le agrega mucho al barrio.
-¿Qué impronta tiene?
Este bar me parece muy arriba, algo muy bien logrado.
-¿Tu obra también es bien arriba? ¿La definirías positiva?
Creo que soy un artista muy conocido y muy popular, porque mi obra le gusta a un chico de cinco años y a un coleccionista mayor. El target es muy grande y eso hace que el público sea muy ecléctico. En promedio, mis seguidores tienen 40 años.  Yo aspiro que el arte sea popular, que esté en todas partes. Me gusta que esté en la casa, en lo cotidiano. Me parece que eso te acerca a diferentes públicos. Si está en una mesa, ahí la va a ver un niño, un joven o un adulto.
-El muralismo mexicano bogaba por la gratuidad del arte, ¿Vos buscás lo mismo?
El muralismo hablaba del compromiso con el trabajador, de los problemas sociales, de lo cotidiano. Me parece que al arte le falta eso: dialogar con la sociedad, inmicuirse con los problemas. Cada artista después buscará la impronta que quiera. No todo el arte puede ser popular,  no todos los artistas pueden ser populares.
Fotos: Florencia Moreno.
-¿Cuál es el vínculo de tu obra con la política?
El arte siempre es político. Osea siempre tiene un rol político en la sociedad. A mí me gusta que la educación llegue a todos, entonces creo que pensar el arte para un único sector es un grave error en los tiempos que vivimos. Necesitamos de una gran cantidad de artistas para que trabajen en la educación del arte.
-¿Cómo te llevas con las redes sociales?
Me encantan. Desconozco todo, es un lenguaje con el que no crecí, pero las admiro. Me parece interesante por el fenómeno en que nos toca vivir. Si hace veinte años te decía que iba a aparecer la cara de tu ser querido en el teléfono y te iba a hablar, ibas a creer que era de ciencia ficción. Lo único que me preocupa es que la tecnología todavía no hizo la curva, va a evolucionar mucho más,  y nosotros entonces debemos ser permeables a los cambios que se vienen. La tecnología puede ir más rápido que el pensamiento humano.
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El Grand Palais de París celebra el arte de Hergé

El Grand Palais de París celebra el arte de Hergé
                                                            George Rémi, Hergé, fotografiado en su estudio en 1949.

Una gran exposición arroja luz sobre el proceso creativo del dibujante pero elude las zonas de sombra de su vida

                                                HOMENAJE AL CREADOR DE TINTÍN
Reconocido como uno de los pilares maestros de la historieta europea, el belga Georges Rémi (1907-1983), más conocido comoHergé, encarna de modo ejemplar las contradicciones y claroscuros del turbulento siglo que le tocó vivir. Adorado por lectores de todas las edades gracias a su creación más perdurable, las aventuras del reportero Tintín, Hergé era dueño de una personalidad atormentada y esquiva y su vida estuvo trufada de sombras y controversias. Todo ello configura un enigmático universo en torno al que orbita la exposición 'Hergé' que el miércoles abrirá sus puertas en el Grand Palais de París y que busca, entre otras cosas, fijar el lugar que el dibujante belga ocupa en la historia del arte.
Más de 250 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, con traducciones a 110 lenguas, dan fe del inimaginable éxito que alcanzaron las andanzas de Tintín, un personaje cuya enorme popularidad ensombreció otras creaciones de Hergé (como las series de 'Quick y Flupke' o de 'Jo, Zette y Jocko'), así como su faceta de brillante ilustrador y sus intentos frustrados de hacer carrera como pintor.

EMULANDO A MIRÓ Y KLEE

"Quise ser pintor, pero rápidamente me di cuenta de que no tenía nada que decir en ese ámbito", afirmó el dibujante poco antes de su muerte. La media docena de obras pictóricas suyas que se muestran en la exposición del Grand Palais, a menudo intentos de remedar el estilo de sus artistas predilectos (especialmente de Joan Miró y Paul Klee), parecen darle la razón.
Fue en la historieta donde Hergé dio la verdadera medida de su talento artistico, y así lo atestiguan no solo los álbumes acabados sino también las planchas con dibujos originales en tinta china (que hoy se venden por una barbaridad de dinero en las casas de subasta) e incluso los simples bocetos en carbonilla, con sus trazos "nerviosos, vibrantes, de gran intensidad y precisión", como destaca el expert Dominique Maricq, autor del libro 'Hergé por él mismo' y archivista de la Fundación Moulinsart, que custodia los derechos de la obra del dibujante.
La exposición pasa de puntillas por los aspectos más controvertidos de la vida y la obra de Georges Rémi, como las acusaciones de colonialismo suscitadas por el álbum 'Tintín en el Congo' o su relación con el líder belga pronazi Leon Degrelle y su complaciente papel durante la ocupación alemana. Zonas de sombra que contrastan, en cualquier caso, con la luz que siguen proyectando sus mejores viñetas.
Fuente

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