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martes, 23 de mayo de 2017

Koplowitz mostrará en Bilbao obras poco expuestas de Goya, De Kooning y Bacon

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Bilbao, 23 may (EFE).- La empresaria y coleccionista de arte Alicia Koplowitz mostrará en Bilbao cuarenta obras más de su colección particular de las que actualmente se exponen en París, entre ellas piezas que han sido poco expuestas de Goya, Calder, De Kooning y Francis Bacon.

La exposición "Colección Alicia Koplowitz-Grupo Omega Capital" se exhibirá entre la Sala BBK y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, del 28 de julio al 23 de octubre, y la forman un total de 92 obras de la colección privada de la empresaria española, en la primera ocasión en que se expongan al público en nuestro país.

La muestra, patrocinada por Petronor, abarca desde el arte grecorromano al actual, así como la mayoría de los géneros (el paisaje, retrato, bodegón, etc.) y los principales movimientos artísticos de la historia del arte, según ha explicado la comisaria de la misma, Almudena Ros.

Esta ha señalado, en la presentación de un adelanto de la muestra hoy a los medios de comunicación en Bilbao, que la exposición reflejará "la calidad y el interés artístico" de una de las más importantes colecciones privadas de arte de Europa en la actualidad.

A pesar de la variedad de épocas, géneros y estilos artísticos que abarca, ha destacado que la muestra tendrá "un hilo conductor" principal, como es el de intentar reflejar el concepto de la belleza estética que ha existido en cada época de la historia del arte.

Otra de las particularidades de la colección de Alicia Koplowitz es que está formada por los grandes maestros de la pintura española del siglo XVI y XVII, como Pantoja de la Cruz, Morales o Zurbaran; del siglo XVII y XIX, como Goya; y del siglo XX, como Picasso, Juan Gris, Tapies o Barceló.

El director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Miguel Zugaza, ha revelado, por su parte, que a la capital vizcaína llegarán 40 obras más de las que se exponen en París, entre las que se encuentran "La celestina y su hija", de Goya; "La sentada", de Williem de Kooning, y "Delicado móvil" (1935), de Alexander Calder.

Junto a ellas, se exhibirán obras de Francis Bacon, el argentino Lucio Fontana, el británico Chris Martin, Andy Warhol y de artistas españoles y vascos como Arellano, Paret, Madrazo, Gargallo, Luis Fernández, Chillida y Oteiza.

Zugaza ha señalado que "la exposición ha crecido tanto en Bilbao que se extenderá de la Sala BBK, donde se ubicará el contingente principal de obras, a la dedicada al arte contemporáneo" en la primera planta del Museo de Bellas Artes.

El director de la centenaria pinacoteca bilbaína, quien ha agradecido a la empresaria española el "verdadero regalo que ha hecho a Bilbao trayendo aquí su exposición para mostrarla por primera vez en España", ha dicho que la propia coleccionista ha supervisado en el Bellas Artes las salas donde se ubicarán sus obras.

Como "aperitivo" de lo que se podrá ver en Bilbao a partir del 28 de julio próximo, la empresaria ha enviado al museo bilbaíno un cuadro del artista alemán Anselm Kiefer titulado "Le dormeur du val", realizado en 2014 y que se podrá ver a partir de mañana.

Se trata, ha explicado la comisaria de la muestra, de una obra basada en un poema de juventud del poeta francés Arthur Rimbaud que cuenta la muerte de un soldado en una batalla de la Guerra franco-prusiana del año 1870.

En el cuadro, Kiefer hace abstracción de la tragedia del soldado muerto en el campo de batalla que aparece descrito en el poema, ya que no aparece el cuerpo del fallecido y sólo retrata el campo donde aparece el cadáver.

Alexis Mérodack-Jeanneau.

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Alexis Merodack Jeanneau- 1 , nació en 1873 en Angers y murió en 1919 en Angers , es un pintor francés asociado con el movimiento fauvista .

                                                 
                                                              Yellow Dancer (1912).


Alexis Merodack-Jeanneau se forma en el taller de Gustave Moreau , donde conoció a Henri Matisse , Henri Manguin y Albert Marquet 2 . También se cumplirán Henri de Toulouse-Lautrec y Henri Rousseau .

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Después de varias exposiciones colectivas en la vida independiente que pertenece a partir de 1896 3 , hizo su primera exposición individual en 1899. Conocido por su conflicto abierto con el mundo del arte y su mercado, en particular, creó su propia galería rue Le Peletier en París donde vende directamente sus cuadros a los compradores. También organizó la primera exposición de Vassily Kandinsky y Alexander Archipenko .


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Trabaja desde 1900 a publicaciones periódicas como la revista Partisan combates, el arte y la sociología Paul Ferniot y Paul Redonnel (1860-1935), y El Diario Verlaine (1901-1902) dirigido por Léon Deubel y Héctor Fleischmann 4 , que lo llama un "pintor de la ansiedad" en la revista del campanario en enero de 1902 5 .

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De 1904 a 1914 se editó la revista Nuevas tendencias que se ejecuta con Charles Felix Le Gendre continuación, Louis Leroy, que cuenta con 65 entregas que se publican grabados en madera de Kandinsky, entre otros 6 . Esta revista es la revista oficial de la Unión Internacional de Bellas Artes, Humanidades, Ciencias e Industria (París), cuyos presidentes son Paul Adam , Auguste Rodin y Vincent d'Indy .

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En 1907, como parte de la Unión Internacional, Merodack-Jeanneau organiza una gran exposición internacional de arte moderno en Angers, titulado Museo del Pueblo y que comprende más de 1200 obras, entre ellas importantes pinturas de Cézanne , el Rousseau costumbres , y Kandinsky .

También realiza muchas ilustraciones para libros cuya novela El hombre-hormiga de Han Ryner ( 1901 ), publicado por Ediciones de la Casa de Arte.

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Su pintura, relativamente desconocido, está directamente asociado con el movimiento fauvista y synthetism de Gauguin , que quiere ser el teórico. Se recogió por Guillaume Apollinaire .

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lunes, 22 de mayo de 2017

Las 10 mejores exposiciones para ver en Madrid

Joaquín Sorolla, Paseo a orillas del mar, 1909, Museo Sorolla, Madrid.

Selección de las muestras imprescindibles que se exhiben ahora en la capital
Sorolla y los Estados Unidos En 1909, cuando Sorolla ya había alcanzado todos los grandes premios y honores a los que un pintor español de su época podía aspirar, realiza, con un éxito sin precedentes, su primera exposición en Nueva York, en la Hispanic Society of America. Una retrospectiva de la etapa madura del pintor que mejor plasmó el luminoso paisaje mediterráneo y los matices en los colores de las aguas marinas.
Metamorfosis. Visiones fantásticas de Starewitch, Svankmajer y los hermanos Quay. La exposición realiza un repaso a la historia del cine de animación y para ello recupera a tres de sus predecesores: el polaco Ladislas Starewitch, el checo Jan Vankmajer y los gemelos Quay, estadounidenses. La muestra también incluye a los referentes literarios y artísticos de la obra de estos tres cineastas, por lo que obras de artistas como Goya, Ensor, Ernst, Dalí, o de directores como Meliés y Buñuel tienen cabida en la colección.
Depero futurista.Fortunato Depero era un artista constructor de todo un universo futurista en varias disciplinas y soportes: fue incansablemente pintor, escultor, dramaturgo y escenógrafo, escritor, poeta, ensayista, diseñador gráfico de publicidad comercial. Enmarcado dentro del futurismo italiano iniciado por Marinetti que resaltaba el valor estético de la máquina, el dinamismo de los nuevos medios de transporte, liberar la palabra de la gramática y la interacción de varios puntos de vista.
El último viaje de la fragata Mercedes. En esta exposición se pueden contemplar, junto a un volumen importante de las monedas recuperadas y a restauradas, una selección de documentos conservados en el Archivo General de Indias y el Archivo Histórico Nacional que son clave para reconstruir el último viaje de la fragata Mercedes y valorar el alcance que el suceso tuvo en la política internacional española de principios de siglo XIX.
Entre el cielo y la tierra.Doce miradas al Greco, cuatrocientos años después. Una imagen que analiza la influencia del artista cretense afincado en la península sobre el llamado arte contemporáneo y que le sitúa a la altura de Velázquez y Goya. Muestra la obra de doce artistas en los que la presencia del Griego de Toledo es clara y en el que su huella se conserva con mayor vigor presentando figuras que se encuentran en un espacio indeterminado y con una gran expresividad.
Carmen en las colecciones españolas. La muestra ofrecerá al visitante representaciones del personajes central de la ópera de Bizet. Figurarán obras de Gonzalo Bilbao -un boceto de sus famosas Cigarreras-, Ramón Casas y Picasso, autor del libro ilustrado Le Carmen des Carmen (1964).
Le Corbusier, un atlas de paisajes modernos. Exposición organizada por el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York con la colaboración de la Fondation Le Corbusier de París y producida por la Obra Social "la Caixa". la trayectoria del arquitecto a lo largo de seis décadas en las que observó, imaginó y persiguió paisajes sin cesar. Un artista clave para la la arquitectura contemporánea que rompió barreras en la distribución de los edificios, combinación de elementos y creatividad deslumbrante.
World Press Photo. Como cada año se exponen las instantáneas de fotoperiodistas de todo el mundo ganadoras de los premios que ofrece la academia holandesa. Un trabajo que muestra los acontecimientos más importantes en todo el 2013 recogidos por los medios de comunicación. 'Señales' de John Stanmeyer es la obra ganadora que muestra a un grupo de inmigrantes en una playa de la República de Yibuti buscando la señal telefónica móvil bajo un cielo estrellado.
Kerry James Marshall: pintura y otras cosas. El artista británico residente en Chicago articula a través del tratamiento creativo de temáticas relacionadas con la vida, la cultura y la historia afroamericana abordadas desde múltiples ópticas, aportando así nuevas visiones a cuestiones relacionadas con la política racial, la representación cultural y la emancipación social. Reivindica la 'negritud' como identidad social alejada su voz de los museos de arte tradicionales.
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Craww – Between Light and Darkness




Craww© - Render
Craww© – Render

Craww es un artista autodidacta y habitual doodler, que vive y trabaja en Sheffield, Reino Unido. Su trabajo se mueve entre influencias en los sueños, la música, los cómics, la naturaleza, la ginebra y una inspiración hiperactiva.

Craww© - Penitent
Craww© – Penitent


Craww© - Untitled 1
Craww© – Untitled


Craww© - Temporal
Craww© – Temporal

La fascinación por la naturaleza y el género humano es una constante en la obra de Craww. El artista explora y recrea la visión de la mujer como una criatura de cuento de hadas, una musa a la que sublima y eleva a una dimensión no humana, más cercana a lo divino. Las mujeres de Craww están cambiando constantemente y su metamorfosis es capturada en el momento de máxima tensión entre la oscuridad y la luz, dinámica y estática, ya que estas Musas se esfuerzan por encontrar un equilibrio en el flujo y reflujo de la vida.

Craww© - Sanguine
Craww© – Sanguine


Craww© - Reverie
Craww© – Reverie


Craww© - Moon in Water
Craww© – Moon in Water

Cada pintura tiene en si misma una figura femenina, pero con diferentes visiones y contextos en los que se representan. A veces mezcla sus protagonistas con animales y otras criaturas, así como con elementos florales que suelen hacer referencias a la mitología. El conejo, por ejemplo, es un símbolo de la belleza y la sexualidad, y se convierte en el emblema indiscutible de la fertilidad. Las mujeres de Craww tienen una fragilidad delicada y suelen mostrarse con los ojos cerrados, lo que suele interpretarse como un sueño tranquilo o una bienvenida a la muerte.

Craww© - Haven
Craww© – Haven


Craww© - Vessel
Craww© – Vessel


Craww© - Haunting Breeze
Craww© – Haunting Breeze

Craww le gusta la ambigüedad, y su trabajo explora su fascinación por las cosas que no son exactamente lo que parecen. Sus mundos están poblados de calaveras, cuervos y chicas melancólicas abrazadas por líneas fluidas y formas naturales. Con elegancia, equilibrio y caos disciplinado, utiliza aceites, acrílicos, grafitos, carbón, tinta y todo lo que acaba en sus manos para dar forma a sus creaciones, incluidas sus incursiones en las técnicas digitales. Su carrera de diseño le ha dado un equilibrio y un sentido narrativo que sabe plasmar en sus composiciones visuales. El universo de Craww es un universo lleno de cosas bonitas envueltas en una frágil oscuridad.

Craww© - Halcyon
Craww© – Halcyon


Craww© - Gathering
Craww© – Gathering


Craww© - Untitled
Craww© – Untitled


Craww© - Sometimes When You Fall, You Fly
Craww© – Sometimes When You Fall, You Fly

Craww ha expuesto tanto en UK como en USA, y su trabajo se encuentra en diferentes en manos de diferentes coleccionistas y aficionados de todo el mundo. También ha publicado un libro de dibujos y bocetos titulado “Vessel”. Durante los últimos 5 años ha llenado casi 500 páginas en varios cuadernos moleskine con sus garabatos, lo que le permite probar cosas nuevas, explorar ideas y experimentar con diferentes materiales y técnicas que le permiten seguir alimentando su trabajo como artista.

Craww© - Gathering Night
Craww© – Gathering Night


Craww© - Cilice
Craww© – Cilice


Craww© - Binding
Craww© – Binding


Craww© - Ashes
Craww© – Ashes

Podemos ver y seguir el trabajo de Craww en su web, su página de Tumblr, en FacebookInstagram y en su tienda on line Big Cartel
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domingo, 21 de mayo de 2017

Búsqueda espiritual a través del arte

Búsqueda espiritual a través del arte
El jueves pasado, el artista plástico Alex G. Lazard (México, 1986) inauguró su exposición pictórica Tiféret en la Galería Isabelle Serrano, en la cual refleja su búsqueda de lo espiritual en el arte.
El título de la exhibición hace referencia a la sexta sefirá en el árbol de la vida de la cábala, que en hebreo significa “belleza”. La muestra está conformada por alrededor de 20 cuadros de gran formato que toman símbolos del Árbol de la vida del Antiguo Testamento.
En entrevista con la Secretaría de Cultura federal, Alex G. Lazard explicó que su interés por el estudio de la cábala surgió a partir de la necesidad de explorar la espiritualidad y la metafísica dentro del judaísmo.
“De alguna manera es reencontrar mis orígenes e implementarlos en mi realidad. En mi trabajo tomo muchas referencias de la sique precolombina y mexicana y se vuelve una miscelánea de encuentros, de respuestas a la vida. Es algo que siento que me estaba llamando desde hace tiempo y está cambiando mi intención como artista sobre lo que quiero decir y cómo lo quiero decir”.
Sobre su técnica, se definió como un defensor de lo matérico en la pintura, de ahí que su propuesta sea orgánica, expresionista y emocional.Consideró que la muestra es una petición para que la gente tome conciencia en cuanto al simbolismo de la belleza: “Para mí la belleza representa cuidar a una sociedad, cuidar tus palabras, cuidar tu vida. Es una petición que hago a través del arte para crear conciencia y generar una mejor sociedad”.
Además profundiza en temas fuertes, místicos y rupestres que se están reagrupando en el sentido espiritual, ya que son los temas espirituales los que le producen asombro e interés.
“Busco la magia de la vida y no estoy mintiendo en la manera de ejecutar. Es una manera orgánica, expresionista e ingenua y en esa ingenuidad se destaca la posibilidad de exponer más a flor de piel los sentimientos que todos tenemos”. Alex García Lazard se formó como pintor y grabador en diversas instituciones y talleres en México y en el extranjero, entre los que se encuentran el Instituto Allende (Guanajuato), el taller Xiguil (Ciudad de México) y los talleres de los maestros Gilberto Aceves Navarro y Guillermo Guerrero. Asimismo tomó cursos en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (Ciudad de México), la Universidad de Barcelona (España) y la Angel Academy of Classic Art (Florencia, Italia) entre otros.  Entre sus próximos proyectos, el joven artista adelantó que para el próximo año se contempla una exposición en Fundación Sebastian.
Tiféret se presentará hasta el 18 de junio en la Galería Isabelle Serrano, ubicada en Monte Athos 155-A, en Lomas de Chapultepec. Para más información, visita el sitio 
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Karina Skvirsky examina relaciones de poder en la Historia del Arte



Guayaquil.- Karina Skvirsky (Ecuador, 1969) es la artista mutlidisciplinaria que trabaja con fotografías, viodeoarte y performances que actualmente, expone “Los pliegues de la foto” en galería DPM. 
Para el curador de la muestra, Rodolfo Kronfle Chambers: “su obra ejemplifica ese afán de cada quien por trazar su propia interrogación existencial para hallar un nicho en el mundo; es un recorrido que parte del análisis abierto de su experiencia íntima que va del acontecer de su crianza a observaciones continuas sobre su vida, en aras de lograr encajar en el gran esquema de las cosas”.
Karina vive en Nueva York, donde también da clases de fotografía. La exposición “Los obreros del ferrocarril ” (2016) que hizo para la Bienal de Cuenca está exhibiéndose en Madrid, y el video que llamado “El peligroso viaje de María Rosa Palacios” (2016) sobre el viaje de su bisabuela materna a pie, durante varias semanas, desde un pueblo pequeño de la Sierra hacia la ciudad de Guayaquil,  se va a exponer en una galería neoyorquina en septiembre.
“Este trabajo es completamente nuevo, es la primera vez que lo estoy mostrando”, le dice Karina a La República. “La exposición tiene dos partes, la primera parte empieza con una reacción feminista sobre los resultados de las elecciones del 2016 en Estados Unidos, mi obra siempre empieza con algo que está pasando actualmente, en este caso, se trata de la elección que perdió Hillary Clinton en Estados Unidosque me impactó bastante, no porque ella fuera una candidata increíble, sino que fue como el resultado de un sexismo y un machismo, de una misoginia fuerte, eso me causó como un choque, porque yo veo que las cosas han cambiado bastante, pero después, cuando veo cosas como éstas, veo que no. Uno ve eso y dice ¡pero no ha cambiado nada! Y entonces empecé a pensar cómo responder ante esto, porque yo, como artista, no me puedo sustraer a eso, tengo que reaccionar, tengo que responder a eso, porque eso es lo que hago, con mi medio, que es siempre la fotografía”

Handstand de Karina Skvirnsky
“Y empecé a indagar sobre la historia de la fotografía, sobre las prácticas de las mujeres artistas, especialmente en los setentas, que fue donde empieza el trabajo feminista en el arte, donde hay una voz que se lanza y cambia el discurso”, continúa Karina, “ése trabajo de las mujeres tiene que ver con lo personal, que ahora todo el mundo lo hace, pero eso viene de las raíces, las semillas del trabajo que hicieron las artistas en los setentas, cuando sale ese trabajo tan potente de VALIE EXPORT, Martha Rosler, Dara Birnbanm, Marina Abramovic, en el que ellas sacan trabajos que tienen que ver con lo personal y lo doméstico, y eso influye a todo el mundo del arte, por eso, ahora no hay problema en hacer trabajos que son más personales, más autobiográficos, porque ya ya cambió el discurso”.
“Cuando David Pérez-Mac Collum me invitó a hacer una exposición aquí, pensé que quería hacer una exposición en la que yo reaccionaba al espacio de la galería y también a la situación política, mezclando esas dos cosas. Por ahí vienen estas conexiones a la historia del arte y a la rabia personal que he tenido sobre lo que ha pasado en la política”.
“Así  llegamos a estas fotografías recientes”, dice el curador, “donde el cuerpo de la artista adquiere un papel protagónico, un cuerpo por medio del cual pone en marcha su propia versión del feminismo, desprovisto de prédicas evidentes y más bien operando como indagaciones que tantean en las sombras de la Historia del Arte: “la mujer como autor y objeto”, según las describe (…) La vemos entonces seguir pautas de performances de VALIE EXPORT o de Charles Ray, o procurando examinar las sutilezas y relaciones de poder que entrañan algunas fotografías de modelos de Edward Weston”.

“La regla de los tercios” por Karina Skvirnsky
Karina recorre la muestra “Los pliegos de la foto” y va haciendo comentarios sobre las obras. De “Balance” o “Equilibrio” señala que: “es una línea en la que estoy caminando y tratando de equilibrarme. En la obra “Libro” estoy con el libro en la cabeza  y quiero caminar derechita, como me enseñó mi mamá, y también está doblado como la página de un libro. Éste chiquito que se llama “Rincón” es como el doblado del cuerpo en el rincón y estoy como empujando, como metiéndome a la pared, la idea es meterme en la galería, meterme en el mundo del arte”.
Luego está “Handstand” donde está Karina parada de manos con ropa de ballet y se le sale un poco el calzón por debajo de la malla. Ella se acuerda de las niñas cuando hacen gimnasia o ballet los calzones siempre se les están saliendo por debajo de las mallas, y se refiere con ternura e “ese gesto tan lindo de las niñas, que siempre están tratando de meterse los calzones”, entonces estoy reproduciendo ese detalle, es como mi versión de la memoria sobre la gimnasia, estoy jugando con esas memorias que llevamos en nuestro cuerpo”.
“Otra cosa que tiene que ver con la exposición”, explica la artista, “es que mi pareja me ha ayudado a tomar las fotos, porque yo salgo también en las fotos, y estas implicaciones tienen que ver con el sexo: “Top/Botton” juega con la idea de quién es pasivo y de quién es activo en la relación. “Lay flat” tiene una conexión a la famosa foto que  tomó el artista Edward Weston a su esposa acostada desnuda boca abajo en la arena, “La regla de los tercios”, hace un guiño a la foto del rostro de Tina Modotti tomada también por  Weston”. Conexiones que  para Kronfle Chambers constituyen “un juego de adopción e intercambio de roles fluctuantes entre modelo, musa, aprendiz o asistente.”
Karina dice que “las otras obras se conectan con el trabajo de VALIE EXPORT que hacía fotos de ella interviniendo el espacio arquitectónico, aquí estoy poniendo mi cuerpo en las escaleras y después doblando la foto para que tenga las mismas líneas que la escalera, ella lo hacía de otra forma, yo lo estoy haciendo a mi manera”.
“Su cuerpo desnudo o vestido desarrolla una relación con el espacio físico apenas sugerido, actuando sobre este, asunto acentuado por los pliegues en el papel, que le prestan un cierto carácter escultórico. Estos pliegues, funcionando como un código más de la práctica fotográfica, transforman el plano del papel en un volumen cuya profundidad es tanto física como metafórica, para convertirse en el lugar donde confluyen dualidades simbólicas como sus recuerdos o pensamientos versus la representación que intenta hacer de estos”, dice Rodolfo Kronfle Chambers.
Para el galerista Pérez-Mac Collum las obras de Karina tienen un hilo conductor, que es la intimidad personal – familiar, “porque recoge desde la bisabuela, a la mamá y a ella misma. Este hilo conductor va desde la intimidad de ella hacia sus ancestros. Aquí ella se está exponiendo en todo sentido, ha puesto en evidencia este tema de la intimidad personal. Tenemos cuatro cuerpos de intencionalidad en esta muestra, pero que emanan o hilvanan todos hacia su parte íntima”.
La otra parte de la muestra está relacionada con la exposición anterior de los drones que consiste en seis fotografías-collages de imágenes satelitales, con apariencia de cuadros abstractos, que nos remiten a países del Medio Oriente, donde se han realizado ataques con drones, sobre las que la artista ha sobrepuesto siluetas recortadas de mujeres asesinadas y abandonadas, localizadas en una sencilla búsqueda de Google, poniendo simplemente “dead women”.
“En la vida todo se trata de sexo, excepto el sexo. El sexo se trata de poder”, Oscar Wilde.
María Rosa Jurado/ Fotos Larepublica.ec y Karina Skvirsky.

Mujeres muertas fotografiadas por drones
Fuente
http://www.larepublica.ec

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