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jueves, 27 de abril de 2017

El arte cubano producido en la Isla regresa a EEUU tras casi 70 años de 'desconexión'

Carlos Rodríguez Cárdenas, 'Resistir, luchar, vencer'. (CUBANARTNEWS.ORG)

Más de 70 años han pasado desde que el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York presentara en 1944 la exposición "Pintores cubanos modernos", la última gran muestra de arte cubano en EEUU, hasta que el Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH) trae ahora una vasta colección de la Isla.
Anclada en momentos clave de la historia cubana de los siglos XX y XXI, "Adiós Utopía: sueños y engaños en el arte cubano desde 1950" reúne más de 100 obras creadas por artistas y diseñadores que permanecieron en Cuba o cuyas carreras remontaron después de la Revolución.
"Esta exposición se empezó a planificar mucho antes de que (Barack) Obama restaurase las relaciones entre ambos países" en 2015, aclaró en una entrevista con EFE la curadora de Arte Latinoamericano en el MFAH, Mari Carmen Ramírez.
Según la curadora, la muestra nació de la llana intención de ayudar a los artistas cubanos a promover sus obras más allá de su país, ya que el arte surgido en Cuba a partir de la Revolución es prácticamente desconocido en EEUU.
En vez de ofrecer un sondeo histórico, esta recopilación muestra una narrativa temática centrada en las aspiraciones y fracasos utópicos de Cuba, eventos clave en la historia nacional, y explora cómo esta historia afectó a los artistas, moldeó el carácter del arte producido en la Isla y condicionó la recepción del arte cubano tanto en dentro como fuera del país.
Para Ramírez, el arte siempre tuvo un lugar "muy importante" dentro de la sociedad cubana durante la revolución castrista, que no adoptó medidas de censura típicas de la Unión Soviética en este sentido, excepto algunos intentos fallidos en la década del 60.
"Los artistas siempre estuvieron al tanto de lo que estaba pasando en Estados Unidos y en Europa a nivel plástico y eso generó un gran movimiento artístico en Cuba que ahora damos a conocer a través de esta exposición", detalló la comisaria, que es también directora del Centro Internacional para las Artes de las Américas (ICAA, en sus siglas en inglés).
Esta histórica exposición es un proyecto concebido por la Fundación para las Artes Cisneros Fontanals y ha sido organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Houston y el Walker Art Center de Minneapolis, donde podrá verse a partir de noviembre de este año.
La curadora puertorriqueña, una de las voces más autorizadas para hablar de arte latinoamericano en EEUU, consideró que uno de los puntos más relevantes de "Adiós Utopía" es que las obras seleccionadas no son parte de la máquina propagandística del régimen castrista, sino que representan diferentes formas de expresión dentro de la isla, desde la ironía hasta la tristeza.
En un recorrido más detallado por la exposición, la curadora destacó "El Bloqueo", una obra relacionada con las crisis humanitarias en los años 90, cuando el colapso de la Unión Soviética dejó a la Isla sin su socio comercial clave.
La conocida instalación del artista cubano Tonel, creada en 1989, consiste en un conjunto de bloques de cemento con la forma de Cuba, un diseño que da la impresión de una isla en riesgo de hundimiento.
"El Bloqueo" se encuentra dentro del eje temático "Mar, Fronteras, Exilio", uno de los seis hilos conductores que describen el arte creado durante las últimas seis décadas.
La burla de los carteles soviéticos, el control de los medios, el culto a los iconos revolucionarios y las paradojas de la Revolución son algunos de los temas que trata a fondo esta exposición, que ya ha recibido más de 35.000 visitantes desde principios de marzo y que estará abierta en Houston hasta el 29 de mayo.
Además de Ramírez, organizadora de la gira por Estados Unidos, la exposición es comisariada por los curadores independientes cubanos Gerardo Mosquera, René Francisco Rodríguez y Elsa Vega, y cuenta con la asesoría de Olga Viso, directora ejecutiva del Walker Art Center de Minneapolis (Minesota)


'Adiós Utopia' en el Museo de Bellas Artes de Houston

Carlos Martiel, 'Stampede', 2017, performance. (MICHAEL DUKE /CARLOSMARTIEL.NET)
La exposición, que 'analiza cómo las aspiraciones revolucionarias de Cuba por la utopía social —y la desilusión posterior— dieron forma a 65 años de arte cubano', reúne más de 100 obras de alrededor de 50 artistas y diseñadores cubanos. Puede verse hasta el 21 de mayo.

España es el sexto país en compraventa de arte a través de subastas online en Europa

Cielo y agua
Cielo y agua

  • El arte español es adquirido en Catawiki principalmente por españoles, seguido de coleccionistas de Países Bajos y franceses

Internet se ha convertido en una nueva vía para los compradores y vendedores de arte. Según el informe sobre el mercado mundial del arte en 2016 publicado como cada año en la Feria TEFAF de Maastricht, las ventas privadas y online de arte tuvieron un 32% de nuevos compradores el año pasado. En este ámbito, las subastas de cuadros y esculturas a través de internet han vivido en el último año un momento muy dulce.


Según datos del portal de subastas online Catawiki (www.catawiki.es), solo el pasado año la plataforma realizó más de 1690 subastas virtuales de artículos de arte. “Los síntomas de una leve recuperación económica se están dejando sentir en el sector que ve cómo se están empezando a dinamizar la compraventa online de arte. Esta categoría está dentro de las tres que más interés suscita entre compradores y vendedores de arte en nuestra plataforma”, señala Alejandro Sánchez, director general de Catawiki en España y Portugal. Según el estudio de TEFAF, España representó un 1% del mercado global en 2016 colocándose en el puesto 29 del ranking mundial. Pero nuestro país escala puestos si nos referimos a las subastas por internet en Europa. Si atendemos a los datos registrados por Catawiki, España se sitúa en la sexta posición concentrando un 6% de cuota de mercado de los países que más compran y venden arte por medio de subastas en internet en Europa.


Este pódium está liderado por los Países Bajos que cuenta con algo más del 40% de la cuota de mercado europeo en esto de la compraventa de arte a través de subastas online, seguido de Francia con un 17% y Bélgica con algo más del 12%. “Aunque en España aún la cifra no es muy elevada, lo cierto es que cada vez más los españoles se animan a comprar y vender arte de manera online. Ya no solo porque estamos habituados a usar las nuevas tecnologías para hacer nuestras compras u otras muchas cosas, sino también porque internet ha demostrado ser un medio seguro para adquirir obras de arte y en nuestro caso trabajamos con expertos que verifican la autenticidad de todas las piezas que subastamos y se encargan de supervisar una a una cada subasta que organizamos para ofrecer todas las garantías a compradores y vendedores”, apunta Sánchez.


Según señalan desde la compañía, el arte español ha ido ganando protagonismo entre sus subastas, multiplicando considerablemente la presencia de artículos procedentes de nuestro país por los que se puede pujar. Pero, ¿quiénes son los que compran arte español? Desde Catawiki han comprobado a través de sus datos que principalmente son españoles los que se decantan por pujar por nuestro arte en un 24% de los casos, seguido de los coleccionistas de Países Bajos (20%), Francia (13%), Italia (11%), Bélgica (9,5%) y Alemania (6,4%).


Entre las más de 1690 subastas de arte cerradas el pasado año a través de Catawiki, la plataforma destaca la venta de algunas obras. Es el caso por ejemplo de ‘Árbol Carrubba en Ravello’, una xilografía de 1932 del artista neerlandés M.C Escher que fue adjudicada por 36.000 euros o ‘Cielo y agua’ del mismo artista y fechado en 1938 que fue vendido por 24.500 euros. En cuanto a obras españolas subastadas en Catawiki durante el 2016 cabe destacar un portfolio del artista Manolo Valdés bajo el título ‘El cubismo como pretexto’ con 11 grabados y cuyo precio de venta fue de 8.500 euros. También otras obras de arte clásico español como ‘Desnudo Femenino’ del pintor catalán Joaquín Torrents Lladó, un dibujo a pastel de 1977 que fue adjudicado por 2.800 euros; ‘Naranjos’, un óleo sobre papel del valenciano Teodoro Andreu Sentamans que fue vendido por 2.000 euros; o ‘Las Bailarinas’ del pintor Luis Giner Bueno, un óleo sobre lienzo fechado en 1935 cuya adjudicación se realizó por 1.950 euros.


Catawiki se muestra como nuevo escaparate para compradores y vendedores de arte. Los primeros tienen aquí acceso a subastas online de obras de todo tipo, género y procedente de multitud de países y la posibilidad de pujar cómodamente desde su ordenador, Smartphone o tablet, con la garantía de que todas las obras son verificadas y validadas por expertos que a su vez supervisan todo el desarrollo de la subasta. Por el otro lado, los vendedores tienen en Catawiki una nueva herramienta donde poder vender sus obras de arte a usuarios de todo el mundo y a los que de otra manera no habría tenido acceso. Actualmente, la compañía está subastando más de 35.000 artículos a la semana de 80 categorías diferentes, no solo arte, sino también moda, joyas, coches clásicos, tecnología, vinilos, curiosidades y mucho más; y ya se ha consolidado como la plataforma de subastas online de artículos singulares de referencia para usuarios y coleccionistas de todo el planeta.

Fuente
http://www.elmundofinanciero.com

George Barbier




George Barbier - Nacido en Nantes Francia el 10 de octubre de 1882, Barbier tenía 29 años cuando montó su primera exposición en 1911 y fue arrastrado posteriormente a la vanguardia de su profesión con las comisiones para diseñar teatro y ballet trajes, para ilustrar libros, y para producir alta costura ilustraciones de moda. Durante los siguientes 20 años Barbier llevó a un grupo de la Escuela de Bellas Artes que fueron apodado por la revista Vogue como "Los caballeros de la pulsera" - un homenaje a sus gestos de moda y extravagantes y estilo de vestir.

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 Se incluyen en este círculo de la élite eran Bernard Boutet de Monvel, Pierre Brissaud, Paul Iribe, Georges Lepape y Charles Martin. Durante su carrera Barbier también le dio la mano a la joyería, vidrio y diseño de papel tapiz, escribió ensayos y muchos artículos para el prestigioso Gazette du Bon Ton. A mediados de la década de 1920 trabajó con Erte para diseñar decorados y el vestuario para el Folies Bergere y en 1929 escribió la introducción para la aclamada exposición de Erte y alcanzó renombre de corriente a través de sus apariciones regulares en la revista L'Illustation. Lamentablemente Barbier falleció en 1932 en el pináculo de su éxito.

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Paul Baudry

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Paul Jacques Aimé Baudry (7 de noviembre de 1828 - 17 de enero de 1886), pintor francés, fue uno de los más célebres representantes del academicismo durante el Segundo Imperio.


                          




Hijo de un abarquero, Paul Baudry nació en La Roche-sur-Yon. A los dieciséis años, gracias a una beca de estudios municipal, se marchó a estudiar a París, donde pudo ingresar en la Escuela de Bellas Artes en el año 1845.


En 1850 recibió el Gran Premio de Roma por su pintura Zenobia hallada por pastores a orillas del río Araxes. Este premio le llevó a una estancia de varios años en Italia, en cuyo arte, principalmente en el manierismo de Correggio y de Tiziano, acabaría encontrando una de sus principales fuentes de inspiración. Esta influencia marcará sus obras a lo largo de toda su posterior carrera artística en Francia. Napoleón III le encargó la decoración de la casa de la Ópera Garnier.

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En 1886, tras realizar un viaje por Oriente, Baudry falleció en París, antes de haber podido ejecutar su proyecto de decoración del Panteón de París sobre Juana de Arco. Dos de sus colegas, Paul Dubois y Antonin Mercié cooperaron con su hermano, el arquitecto Ambroise Baudry, erigiéndole un monumento funerario en el cementerio parisino de Père-Lachaise, donde se encuentra enterrado.

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Desde el principio, el talento Baudry se revela estrictamente académico, al mismo tiempo lleno de elegancia y refinamiento, pero en cierto modo algo falto de originalidad. Si bien pintó también retratos y composiciones mitológicas, Baudry fue esencialmente un muralista y fue en esa parcela donde alcanzó un mayor prestigio, demostrando una gran maestría en el manejo del color, como se puede apreciar en la Corte de Casación de París, en el castillo de Chantilly o en el foyer de la Ópera Garnier. También llevó a cabo la decoración de varios hoteles como el Fould, el Galliera o el Paivabut.

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Karl Pavlovich Briullov

            
                                                              Autorretrato (1848)

Karl Pavlovich Briullov ( ruso : Карл Павлович Брюллов ; diciembre 12, 1799 a junio 11, 1852 ), también transcrito Briulov o Briuloff y se refiere por sus amigos como " El Gran Karl ", era un ruso pintor. Se le considera como una figura clave en la transición de la rusa neoclasicismo al romanticismo .





Karl Bryullov nació en diciembre 12 (23) 1799 en San Petersburgo , [1] en una familia del académico, el tallador de madera y grabador Pavel Ivanovich Briullo (Brulleau, 1760-1833) que era de hugonotes descenso. Se sintió atraído por Italia desde sus primeros años. A pesar de su educación en la Academia Imperial de las Artes (1809-1821), Bryullov Nunca adoptado plenamente el clásico estilo enseñado por sus tutores y promovida por su hermano, Alexander Bryullov . Tras distinguirse como un estudiante prometedor e imaginativa y de finalizar sus estudios, dejó Rusia para Roma , donde trabajó hasta 1835 como retratista y pintor de género, a pesar de su fama como artista se produjo cuando él comenzó a hacer la pintura histórica.



Su obra más conocida, El último día de Pompeya (1830-1833), es una vasta composición comparada por Pushkin y Gogol a las mejores obras de Rubens y Van Dyck . Se creó una sensación en Italia y se estableció Bryullov como uno de los mejores pintores europeos de su época. Después de completar este trabajo, se volvió triunfalmente a la capital rusa, donde hizo muchos amigos entre la aristocracia y la clase intelectual y obtiene un alto puesto en la Academia Imperial de las Artes .

Una anécdota en relación Bryullov apareció en Leo Tolstoy ensayo 's '¿Por qué los hombres stupefy sí mismos?' y más tarde en el ensayo del mismo autor " ¿Qué es el arte? ".





Mientras enseñaba en la academia (1836-1848) desarrolló un estilo que combinaba un retrato neoclásico simplicidad con una romántica tendencia que se funde bien, y su inclinación por el realismo estaba satisfecho con un nivel interesante de penetración psicológica. Mientras trabajaba en el pilón de la catedral de San Isaac , su salud se deterioró repentinamente. Siguiendo el consejo de sus médicos, Bryullov dejó Rusia para Madeira en 1849 y pasó los últimos tres años de su vida en Italia . Murió en el pueblo de Manziana cerca de Roma y está enterrado en el Cimitero Acattolico allí.









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Jacopo Zucchi

        
               La asamblea de los dioses 1575-76. Aceite en el cobre, 31 x 22 cm. Colección privada


Jacopo Zucchi ( pronunciación italiana: [jaːkopo dzukki] c 1541 c 1590..) Fue un florentina pintor de la Mannerist estilo, activo en Florencia y Roma.


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Su formación se inició en el estudio de Giorgio Vasari , y participó en la decoración de la studiolo y el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio . Mover a Roma a principios de los años 1570, trabajó para el cardenal Ferdinando de Medici en su Palazzo Firenze (1574). También ayudó a decorar, junto con su hermano Francesco , el ábside y la cúpula de Santo Spirito in Sassia con un fresco de la Pentecostés .

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Pintó el gran salón de la antigua Rucellai (ahora Ruspoli palacio) en Roma con genealogías mitológicas. Dos lienzos, que representan la ascensión y resurrección , se encuentran en la iglesia de San Lorenzo Martire en San Lorenzo Nuovo (Italia). Su hermano Francisco se convirtió en un mosaiquista notable, y murió en 1621.




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