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domingo, 21 de agosto de 2016

LA PARTE DE ATRÁS III Los cirujanos ocultos del arte


A escasos metros de los murmullos de las salas de exposiciones, las obras de arte descansan bajo la mirada y las manos de los restauradores y conservadores. Así es su trabajo
Durante este mes nos hemos propuesto colarnos en La parte de atrás de la cultura que más nos gusta de la mano de sus protagonistas. Esos que pasan desapercibidos en los títulos de crédito, que no acaparan los flashes ni los aplausos y de los que muchos no saben ni sus nombres pero que son imprescindibles. Cada fin de semana, el foco y la atención en un nombre propio y una profesión. Esta semana nos adentramos en el Museo Reina Sofía, pero esta vez nos alejamos de las salas de exposiciones para asomarnos a una de sus zonas menos conocidas: el área de restauración.
Estamos en la última planta del museo. A escasos metros se escuchan los murmullos de los visitantes de 'Campo cerrado', pero aquí, frente a las colas, las prisas y esas fotos furtivas, reina el silencio. El Departamento de Conservación y Restauración del Reina Sofía funciona con la precisión de un reloj. Ocupa dos luminosas plantas con aspecto de laboratorio por donde campan a sus anchas las obras de arte desnudas, sin marco, y, por ello, mucho más cautivadoras. Un lienzo de Antonio Saura es el primero en captar nuestra atención. A escasos metros reposan 'Cántaro', un Dalí de 1918, y una fabolusa y magna obra de Marcel Broodthaers hecha con cáscaras de huevos que se está poniendo a punto para la retrospectiva que le dedica el museo a partir del próximo 5 de octubre.
Jorge García Gómez-Tejedor se planteó ser artista o arqueólogo, pero acabó convertido en el jefe de restauración del museo. Está trabajando en 'Cuadro y taburete con huevos' (1966), de Broodthaers, una imponente obra que, más allá de los huevos blancos que penden frágiles del lienzo o reposan sobre una banqueta, se cuestiona el concepto del arte como mercancía y el carácter efímero de una obra. Es una obra muy delicada. El paso de los años ha ido cascando sus huevos y aquí se afanan por estudiar la mejor forma de restaurarla siendo fieles a la idea del propio artista, que fue poniendo y quitando huevos del cuadro hasta su muerte. "Estamos revisando su estado de conservación", explica García, junto especialistas y la familia del artista para "asentar el criterio más adecuado sobre cómo debe presentarse la obra actualmente". "Hay huevos que estamos reponiendo, otros que estamos poniendo, otros que los dejamos. Es un poco una discusión que tenemos con todos los huevos. Lo que sí que estamos haciendo es documentar todo el proceso y localizar en qué periodo se pudieron poner. Esto es como una ciudad arqueológica sobre la que trabajar", resume gráficamente.
"Lo más conocido de nuestro trabajo es la intervención, la restauración en sí, pero no es a lo que más nos dedicamos. En lo que más trabajamos es en plantearnos estrategias de conservación de las obras: ver cómo están, hacer informes detallados para hacer el seguimiento de su evolución, ver cuáles son las condiciones más adecuadas para que la obra se mantenga y se preserve. Esas son nuestras funciones", explica el jefe de restauración del museo. Porque si hay una particularidad a la que hace frente su departamento son a las miles de peculiaridades de cada obra de arte contemporáneo. Aquí se trabaja con todo tipo de materiales, desde el óleo y la acuarela hasta los huevos. "Son obras que juegan con muchísimos materiales y que permiten a los artistas hacer de todo y utilizar de todo. Eso hace que la obra de arte contemporánea no tenga un patrón fijo", analiza.
Además de las obras que necesitan algún tipo de intervención, por aquí pasan todas aquellas que salen para exponerse en cualquier parte del mundo, antes y después del viaje, para elaborar un informe sobre su estado e, igualmente, las que llegan a las temporales del Reina Sofía. Una especie de ITV o chequeo que se incorpora a la información que acompaña a cada obra. También pasan por esta planta las que están en los almacenes del museo y deben revisarse para garantizar su conservación, como ese busto pintado por Saura que reposa sobre un caballete. Lo han estado analizando para asegurarse de que no tenía hongos y, de paso, limpiarlo. 
Fotografía de Dora Maar del 'Guernica' (I.G.)                                 Fotografía de Dora Maar del 'Guernica' (I.G.)
A pocos metros descansa sobre una mesa un bodegón pintado por Dalí en sus primeros años. Va a salir prestado a una exposición y los restauradores están comprobando su estado y preparándolo para el viaje. "La estamos valorando porque estamos notando que tiene ese tipo de restauración muy evidente de la década de los sesenta y tiene algunas intervenciones susceptibles de mejorarse. Así que, probablemente, planteemos algún tipo de intervención estética, aunque es verdad que la obra es estable y no corre prisa", explica Jorge García. 
Además del espacio diáfano que acoge las obras y el trabajo más artesanal, la ciencia también tiene su espacio en un laboratorio repleto de ordenadores, microscopios y toda suerte de aparatos donde se analizan desde los pigmentos hasta cualquier tipo de material del que esté hecho una obra de arte. Al lado, se abre un pasillo donde varios especialistas están concentrados en las pantallas de ordenador donde se reproduce el más mínimo detalle del 'Guernica', de Picasso. Entre 2011 y 2013 se llevó a cabo el proyecto de investigación 'Viaje al interior del Guernica' para realizar un análisis mucho más exhaustivo de la conservación de la pieza estrella del Reina Sofía gracias a las imágenes captadas durante siete meses por un automatismo robotizado. Hoy continúan trabajando para seguir profundizando en la técnica y los materiales de una de las obras de arte capitales del siglo XX.
En la planta de arriba se abre el espacio dedicado al papel, ya sean dibujos, grabados, revistas o fotografías. En un lateral descansan media docena de fotografías de Dora Maar esperando a salir a las salas del museo. Son sus célebres instantáneas, tomadas entre el 11 de mayo y el 4 de junio de 1937, en las que captó todo el proceso creativo del 'Guernica' y a Picasso trabajando en su obra más célebre. Cerca, Elena, una de las becarias del departamento, trabaja sobre un cartel antiguo del museo. Alrededor reposan unas baguettes de Wolman en las que están trabajando para alargar su vida. La singularidad de 'L'art Scotch (Baguettes)' es que el artista colocó sobre estas varas de madera unos arranques de revistas y periódicos que hacía con celo, una técnica que, por el uso del adhesivo, dificulta mucho su conservación.
¿Y no da cierto reparo trabajar sobre alguna de estas obrasnbsp;"En nuestras colección tenemos obras emblemáticas como el 'Guernica' o piezas de primer orden que no es que impongan pero, realmente, son piezas muy valiosas con las que hay que tener mucho cuidado a la hora de trabajar sobre ellas. Pero como con todas en realidad", garantiza Jorge García Gómez-Tejedor.
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http://www.elconfidencial.com

Esplendor de la escultura mexicana






                      VÍCTOR RODRÍGUEZ, María Cristina García y Agustín Artega.


Por medio de la exposición “De la piedra al barro. Escultura mexicana. Siglos XIX y XX” que se inauguró recientemente en el Museo Nacional de Arte (Munal), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) reafirma su compromiso de custodiar, enriquecer y difundir de la mejor manera el patrimonio escultórico que constituye una forma de la memoria cultural de México, a la vez que reconoce el legado de sus más grandes y entrañables artistas.





70 piezas realizadas en los siglos XIX y XX con yeso, mármol, bronce y madera, entre otros materiales, creadas por artistas de la talla de Manuel Tolsá, José María Labastida, Manuel Vilar, Gabriel Guerra y Jesús Contreras son las que el público podrá disfrutar, además de tener la oportunidad de conocer la restauración de las salas del Munal, así como también descubrir la trayectoria de los hitos y nexos del pasado de la escultura, y apreciar el valor de la escultura contemporánea.




ARIADNA ABANDONADA, 1898, Federico Luciano Nava, 1869-1938.





ESTUDIO DEL modelo natural a finales del siglo XIX, Federico Luciano Nava, 1869-1938.


La inauguración de esta exhibición se realizó con un recorrido encabezado por Zavala, coordinadora nacional de Artes Visuales del INBA; Agustín Arteaga, director del Munal, y Víctor Rodríguez Rangel, curador de la exposición.




Cabe hacer mención, que la renovación de las salas se ha realizado de manera permanente, con el fin de que el público nacional y extranjero tenga una visión histórica del arte mexicano.



UN PESCADOR, 1858, Agustín Franco.




LE REVE el sueño de la Sulamita, Enrique Guerra, 1871-1943.

El curador de la muestra, Víctor Rodríguez Rangel, dijo que con esta nueva exposición se reabrieron nueve salas del Munal, es decir, la continuación o enlace del siglo XIX con el final del modernismo y el simbolismo.








Para ello, explicó, “intervenimos, restauramos, movimos y reacomodamos más de 158 piezas, y generamos todo una adaptación de luz especial y una identidad cromática en la museografía de las salas 19 a la 26”, finalizó.


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https://www.elsoldemexico.com.mx

sábado, 20 de agosto de 2016

Matera reabre al público su Capilla Sixtina del arte rupestre








Conde Roma, 20 ago (EFE).- La ciudad italiana de Matera, declarada Patrimonio de la Humanidad en 1993, ha reabierto recientemente al público la Cripta del Pecado Original, conocida como la Capilla Sixtina del arte rupestre, una gruta repleta de frescos religiosos que busca ser un nuevo reclamo para el turismo del país.



Roma, 20 ago (EFE).- La ciudad italiana de Matera, declarada Patrimonio de la Humanidad en 1993, ha reabierto recientemente al público la Cripta del Pecado Original, conocida como la Capilla Sixtina del arte rupestre, una gruta repleta de frescos religiosos que busca ser un nuevo reclamo para el turismo del país.
Matera es una de las joyas del sur de Italia. Conocida como la ciudad de piedra, desprende un aroma a espiritualidad y a tiempo pasado, tanto es así que los cineastas Pier Paolo Pasolini y Mel Gibson la eligieron como localización para rodar "Evangelio según san Mateo" y "La pasión de Cristo", respectivamente.
La ciudad en sí misma ya es una visita obligada para aquellos que viajan al sur del país, principalmente por sus "sassi", literalmente "piedras", que es como se conoce a las viviendas excavadas en roca caliza en las que familias y animales convivían hasta hace relativamente pocas décadas y desde los primeros tiempos de la humanidad.
Precisamente los "sassi de Matera" y el conjunto de sus iglesias rupestres fueron declarados por la Unesco Patrimonio de la Humanidad en 1993.
Pero Matera, Capital Europea de la Cultura 2019, tiene a partir de ahora otro elemento fundamental para atraer a nuevos turistas y también a los propios italianos que se acerquen hasta esta ciudad de la región de Basilicata: su Cripta del Pecado Original.
Se trata de uno de los tesoros más espléndidos de la zona y se encuentra cerca de la célebre Via Appia, a pocos Kilómetros de Matera, rodeada de naturaleza y viñedos.
A esta cripta, que era en el siglo VIII lugar de culto de una comunidad monástica asentada en la zona, se la conoce también como la Capilla Sixtina del arte rupestre.
Desde la Fundación Zètema, responsable de su restauración, explican que la comparación se debe a que esta cripta reproduce, setecientos años antes de que Miguel Ángel pintara sus frescos en la Capilla Sixtina del Vaticano, la escena de la transmisión de la vida por parte de Dios al hombre con el contacto vital de las manos.
La cueva, conocida coloquialmente como la gruta de los cien santos, presenta un vasto ciclo pictórico cuyas imágenes emiten "un mensaje de alto contenido teológico y son una expresión de fe por parte del pueblo creyente", aseguran desde la fundación italiana.
Entre los frescos, que datan del siglo IX, se encuentra una extensa reproducción de la Creación de Adán y Eva y de su posterior expulsión del paraíso por morder el fruto prohibido, que no está representado como una manzana sino como un higo, ya que la Biblia no especifica cuál fue el fruto por el que se sintieron tentados Adán y Eva.
El conjunto de pinturas de arte rupestre recrea también otras escenas religiosas.
Los tres ábsides que la conforman están iluminados por tres arcos decorados por pinturas que representan a los apóstoles San Andrés, San Pedro y San Juan, a la Virgen María entre dos santos, y a los santos San Gabriel, San Miguel, San Rafael.
Los frescos son obra de un artista anónimo conocido como "El pintor de las flores de Matera" que posiblemente fuera un monje benedictino con conocimientos sobre la tradición estética y religiosa del arte romano.
La cripta ha sido restaurada por la Fundación italiana Zètema con fondos estatales y también privados de fundaciones bancarias y de la propia fundación Zètema.
Por la singularidad y unicidad de su frescos y por la calidad de su plan de restauración, la Cripta del Pecado Original es sin duda alguna una etapa ineludible para el turismo cultural de la zona. EFE
lsc/msr
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Ventas de arte caen con fuerza en el primer semestre




El Mercurio


Si bien hace unos años las subastas de arte eran una de las instancias donde se movía una mayor cantidad de dinero, durante esta primera mitad del año ha comenzado a notarse un cambio en esta tendencia.
Y es que, según señalaron desde la mayor casa de subastas del mundo, Christie"s, sus ventas cayeron un 33% durante los primeros seis meses del año. De esta forma, si en 2015 lograron recaudar US$ 4.500 millones en el primer semestre, en lo que va del año solo han logrado llegar a los US$ 3 mil millones.
Incluso, si se mira un poco más atrás, en 2014, Christie"s era capaz de rematar US$ 8.400 millones al año en arte y las transacciones globales sumaban US$ 68.200 millones.



Según publicó el diario El País, la baja se explicaría principalmente por la volatilidad financiera, los débiles resultados de los fondos de alto riesgo, la cautela de los vendedores y la avalancha de piezas "mediocres" que han comenzado a aparecer en el mercado.
En este contexto, algunas de las casas de subastas más importantes del mundo han optado por acordar el precio de las obras rematadas previamente con el comprador, para así prevenir quedarse sin venderlas, lo que se traduciría en pérdidas millonarias para estos establecimientos.

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Más de 12.000 personas asisten a la Feria de Arte Contemporáneo



Más de 12.000 personas visitaron del 29 de julio al 3 de agosto la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Marbella Art Marbella, que ha cumplido su segunda edición según informó ayer el Ayuntamiento de la localidad costera. 





Tras el "éxito" de la primera muestra celebrada el año pasado, Art Marbella 2016 reunió a más de 300 artistas, agrupados en un total de 47 galerías, procedentes de países como España, Brasil, Portugal, Estados Unidos, Francia, Italia, Argentina, Colombia, Suiza, Taiwan, Marruecos y Austria, entre otros, según señaló el Consistorio. 

Además, la muestra marbellí acogió proyectos especiales de artistas como Jaime Gili, Asdrúbal Colmenárez, Erika Harrsch y Adolfo Barnatán, entre otros artistas, que se sumaron a este punto de encuentro con el arte que atrajo a ciudadanos procedentes de Europa, norte de África y Medio Oriente, entre otros lugares, interesados por el arte contemporáneo. 






Como novedad este año, y de manera paralela a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, la Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo reunió en el Centro Cultural Cortijo Miraflores, bajo la exposición Libro de bolsillo, a 18 artistas emergentes de la provincia, por lo que Marbella, según destacó el responsable municipal de Turismo, Miguel Luna, "se ha convertido este verano en la capital europea del arte contemporáneo".
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EEUU restringe importaciones de objetos arqueológicos robados de Siria




Estados Unidos anunció el miércoles que restringirá la importación de objetos del patrimonio histórico, cultural y arqueológico de Siria para combatir el pillaje y el contrabando internacional en ese país en guerra.




"Estas restricciones de importaciones aspiran a reducir la tentación de robar para proteger el patrimonio cultural de Siria", subrayó el departamento de Estado al anunciar, conjuntamente con los departamentos de Aduanas, del Tesoro y de Seguridad Interior, la entrada en vigor de medidas de control de ingreso a Estados Unidos de obras de arte procedentes de Siria.
Washington espera así "luchar contra los terroristas y organizaciones criminales que se benefician de la venta de estos objetos antiguos".
Las nuevas reglas de importación se aplican a "todos los bienes culturales sacados ilegalmente de Siria a partir del 15 de marzo de 2011", fecha del comienzo del conflicto. Incluye objetos en piedra, metal, cerámica arcilla, loza, madera, vidrio, marfil, hueso y concha, yeso, estuco o textiles, pergamino, papel, cuero, pinturas, dibujos, mosaicos y escritos, detalló la diplomacia estadounidense en un comunicado.
Desde que incrementó su poder en 2014, el grupo Estado Islámico (EI) ha arrasado varios sitios mesopotámicos en Irak (Hatra, Nimrud), y en Siria, algunos declarados patrimonio de la humanidad por la Unesco.
En Siria, más de 900 monumentos o lugares arqueológicos se han visto afectados, dañados o destruidos por fuerzas del gobierno, los rebeldes o los yihadistas, según la Asociación para la Protección de la Arqueología Siria.
El EI tomó la ciudad antigua de Palmira, dañando sus dos templos más bellos. También destruyó y saqueó los sitios arqueológicos de Mari, Dura Europos, Apamea y otros.
Un sinnúmero de antigüedades han sido objeto de contrabando a través de la vecina Turquía hacia Europa.
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http://noticias.lainformacion.com

viernes, 19 de agosto de 2016

Asombrosas obras de arte hechas con papel


La artista turca Sena Runa ha enamorado a miles de internautas con sus preciosistas obras de filigrana

Sena Runa cambió de vida hace tres años. Dejó su trabajo como especialista en recursos humanos y se dedicó en cuerpo y alma a su pasión, la filigrana (quilling, en inglés).


Esta artista turca se ha reinventado a los 33 años con una tradición que se puso muy de moda en el Renacimiento y que se basa en crear pequeñas obras de arte en papel. Lo que empezó siendo un hobby para romper con la monotonía se acabó convirtiendo en una nueva forma de vida; la propia Runa confesa que aunque ahora trabaje siete días a la semana, es feliz.
¿Por qué la obra de Sena Runa se ha vuelto tan popular?
Su don para realizar imágenes y objetos preciosistas en el que predomina el color y la alegría ha conquistado a miles de usuarios. En su perfil de las RRSS, así como en su propia página web, la artista comparte con sus seguidores sus creaciones, que parecen sacadas de un idílico mundo de fantasía.

La misma Sena ha reconocido que al principio no se le dio nada bien la técnica del quilling: "Buscando en Internet me encontré con una imagen de colores que se hizo de papel utilizando la técnica de filigrana. Traté de hacerlo, pero resultó horrible!", explica en su web.
A partir de entonces, la creadora empezó a explorar con la técnica hasta encontrar su estilo propio, diseñando sus propias plantillas, algo que le aporta libertad y originalidad.


¿Quién iba a decirle a esta especialista en recursos humanos que un día dejaría la empresa en la que tenía el futuro asegurado para dedicarse a realizar preciosas obras de arte con sus manos? Sena Runa se muestra feliz con esta nueva etapa: "Me encanta llevar colores fructíferos a la vida de los demás y me gusta que se difunda mi alegría en tantos lugares del mundo". Un ejemplo único de que realizar el trabajo con amor nos asegura el mejor resultado.
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Grafiteros salpican de arte y color los ajados muros del centro de Asunción

A golpe de aerosol y encaramados a andamios, un ejército de grafiteros de diferentes puntos de Latinoamérica se afanan en salpicar de arte y colorido los ajados muros del centro histórico de Asunción, protagonista en estos días del festival de arte urbano Latidoamericano.




María Sanz
Asunción, 19 ago (EFE).- A golpe de aerosol y encaramados a andamios, un ejército de grafiteros de diferentes puntos de Latinoamérica se afanan en salpicar de arte y colorido los ajados muros del centro histórico de Asunción, protagonista en estos días del festival de arte urbano Latidoamericano.
Desde la céntrica esquina de las calles Colón y Estrella, a pocos metros del puerto de Asunción, dos enormes rostros obligan a los transeúntes a alzar la vista hasta la pared medianera de un hotel, transformada en un lienzo gigante partido en dos por el patio de luces del edificio.
Del lado derecho, el grafitero chileno Saile perfila el rostro de una mujer indígena que representa a la madre naturaleza, mientras que, del izquierdo, su colega peruano Entes colorea el gorro de un personaje que "pretende ser un amigo de la naturaleza, pero sin hacer nada por ella", explicó el autor a Efe.
"Es alguien con un discurso sin significado, que termina por no hacer nada, un revolucionario de Facebook. En la remera (camiseta) va a llevar dibujados a 17 personajes, en recuerdo de la tragedia que ocurrió acá", detalló Entes, en referencia a la masacre de Curuguaty, en la que en 2012 murieron 11 campesinos y 6 policías.
A más de 30 metros de altura, con el rostro cubierto por una máscara antigás para evitar inhalar vapores tóxicos de la pintura, y desafiando a la gravedad sobre un andamio mecánico, la mano experta de Entes tiñe de color la pared agrietada.
Su obra busca "reflexionar sobre la desconexión entre el hombre y la naturaleza", una sensación que, según él, se agudiza en la ciudad de Asunción.
"La gente está perdiendo y devastando su propio oxígeno, su libertad. Viven de espaldas al río y parece que no se toman el tiempo de mirarlo", expresó el artista.
Iniciativas como el festival Latidoamericano, nacido en 2012 en Lima de la mano de Entes, buscan provocar una nueva mirada sobre los espacios urbanos, apoyándose en temas que hacen referencia a lo latinoamericano, para darle un significado propio a los grafiti locales, resumió el artista.
Asunción es la primera capital latinoamericana que acoge el festival después de su génesis en Lima, y lo primero que sorprendió a los grafiteros fue la gran cantidad de muros vírgenes y espacios sin pintar en estacionamientos de autos, fábricas, depósitos y edificios abandonados del degradado centro histórico de la ciudad.
"En Santiago de Chile ya no queda espacio ni para una firma. En Valparaíso hay tantos murales que ya no es más espontáneo, hay que pedir permiso para pintar. Pero en Asunción abunda el espacio, puedes caminar por la calle e imaginar qué pintarías para hacer más tuya la ciudad", expresó Saile, que lleva más de 20 años pintando, y espolvoreó su arte por muros de Europa, América y África.
Algunos de los murales que empiezan a perfilarse en Asunción abordan temas históricos, como el del grafitero paraguayo Rolo y su compañera Leti, que entre manchas de color púrpura, violeta y turquesa hacen emerger el rostro y la guitarra de un excombatiente de la Guerra del Chaco, que enfrentó a Bolivia y Paraguay entre 1932 y 1935.
Otras pintadas tocan temas de la naturaleza y la identidad de la Asunción precolombina, como el que esboza el artista argentino Ice en un lateral del Banco Nacional de Fomento, en el corazón de Asunción, y para el que dice que se documentó sobre los árboles típicos de la zona.
Cuando la obra esté terminada, entre estos árboles planearán varios yacarés (caimanes), una alusión a la reciente catástrofe ecológica del río Pilcomayo, fronterizo entre Argentina, Bolivia y Paraguay, donde se registró la muerte de cientos de animales, debido a la peor sequía en veinte años.
Sea cual sea su estilo y su mensaje, todos los grafiti persiguen, según Ice, el objetivo de "generar un cambio en la vida de la gente" a través de "la convivencia con el arte" en su espacio más cotidiano: las calles por las que transitan cada día. EFE
msd/jm/nrp
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Mundo disperso: arte para descubir


Acción poética. Durante varios días, Leonardo Cavalcante fue depositando canicas y bolones de vidrio en la plaza San Martín y en otros lugares de la ciudad. / Foto: Ramiro Pereyra
El trabajo de Leonardo Cavalcante ganó el premio de intervención en espacios públicos que otorgó la feria Mercado de Arte. Utilizó cinco mil bolitas de vidrio, que fue adhiriendo sobre rejas y objetos en las inmediaciones del Cabildo y la plaza San Martín.
La obra se llama Mundo disperso. Y no es exactamente una obra, sino un conjunto de posibilidades. Está compuesta por pequeños objetos sembrados aquí y allá. Las personas que por estos días caminen por la zona del Cabildo, la plaza San Martín y sus inmediaciones serán las destinatarias de estas apariciones intrigantes y al mismo tiempo mínimas, casi inadvertidas.
Mundo disperso es el proyecto con el que Leonardo Cavalcante (Buenos Aires, 1978) obtuvo el Premio Federal que otorga la feria Mercado de Arte. Este año, la distinción era para intervenciones en el espacio público. 
“A pesar de que me gusta mucho trabajar tranquilo en el taller, siempre tuve la inquietud de cómo percibirá mis obras la gente que no está del todo metida en el medio artístico –señala Cavalcante–. Me interesa ese intercambio, la mirada de alguien totalmente desprejuiciado”.
Dice que el esoterismo y el pensamiento mágico son algunos de los elementos que anidan en esta acción, sutilmente poética.
Los objetos que componen Mundo disperso son bolones de vidrio que el artista fue depositando en lugares inesperados. “Llegué a esta obra caminando por la calle una noche –cuenta–, distrayéndome como siempre con pensamientos mágicos o metafísicos que suelen rondar en mi cabeza. Por ejemplo, que aparezca algo extraño en algún lugar cotidiano, o que el paisaje se modifique a partir de la acción de algo inentendible. Inventé un personaje que va dejando una especie de objeto anónimo que opera entre ser molesto y amable”, cuenta el artista. 
“Me acerco a la idea de la creación de un personaje extraño –añade–, con un accionar incomprensible y con una psicología muy particular. Por otro lado, pienso en la reacción psíquica de la gente al notar un accionar de alguien con esas características. Ese doble accionar psicológico que pone en crisis una supuesta lógica o sentido común es lo que me interesa investigar particularmente en esta obra”.
Para Mundo disperso utilizó cinco mil bolitas y bolones de vidrio que permanecen adheridos a la superficie elegida gracias a un pegamento instantáneo e invisible. “Las voy instalando en lugares inesperados y disponiendo de manera extraña, con el propósito de producir en los transeúntes una sensación disruptiva, ya que advertirán en su paso algunas situaciones lúdicas o físicamente improbables”.
Leonardo Cavalcante concibió este proyecto hace unos meses. Como parte de la investigación, viajó a la provincia de Santa Fe y visitó la fábrica de bolitas Tinka, en la ciudad de San Jorge. “Conocí a uno de sus dueños, Adrián, y él con mucha amabilidad me explicó el proceso de fabricación, me permitió conocer por dentro toda la fábrica y, al comentarle el proyecto, le gustó mucho la idea. Eso me impulsó a avanzar”, recuerda el artista.
Materia sensible
Los materiales no le son indiferentes a Leonardo Cavalcante. En obras como Terrenos, trabajó con retazos de tela que estaban asociados a historias de vida particulares.  “Desde mis primeras obras,  siempre pienso que los materiales son tan importantes como el modo de utilizarlos. Trabajé muchos años en el Museo Fernández Blanco, y al ver obras de materiales tan particulares entendí que es muy importante en mi trabajo elegir materiales que de por sí ya tengan una connotación”, explica.
Y agrega: “Si elijo pintar, soy totalmente consciente de la historia del arte relacionada a ese medio. El arte contemporáneo se encarga de atomizar todos los medios posibles de producción, y entre ellos yo suelo elegir objetos y materiales cargados de simbolismo o que contengan algún tipo de carga emocional. El vidrio, en mi cabeza, está asociado a las iglesias del Renacimiento y el Gótico, y a algo que me conecta con cuestiones espirituales relacionadas con la alquimia”. En el caso de Mundo disperso, esas connotaciones se cruzaron “con un objeto de mi niñez y de la niñez de mucha gente, por lo tanto la elección del vidrio fue algo que se me presentó de manera muy clara”.
La idea es que las personas descubran por sí solas las intervenciones, pero el artista adelanta que un punto clave será la Plaza San Martín. La cercanía con la feria de arte, la importancia que tiene para la ciudad de Córdoba y la enorme circulación de gente le permiten desplegar sin salirse de un espacio limitado. “Otros lugares que me parecen interesantes son las rejas, ya sea de iglesias u otro tipo de construcciones. Hay mucha variedad de rejas, y la presencia del metal en la ciudad es muy grande. De todos modos, la obra está relacionada con prácticas de la deriva, por lo tanto se trata de recorrer la ciudad y encontrarse con diversos objetos para ir conformando un diálogo constante con lo que voy percibiendo. Más allá de la plaza, no hay un sitio deterninado,  se trata de que la gente circule y vaya encontrando un mismo objeto dispuesto de un modo caótico e ilógico”.
Cavalcante encuentra una “cuestión metafísica” que atraviesa muchas de sus obras. Y enumera temáticas que están tramadas: “El extrañamiento, la relación con lo esotérico, las figuras geométricas, el pensamiento mágico, el diálogo con lo devocional, los mundos paralelos, los accesos a una realidad diferente a la que atravesamos son pensamientos que despliego tanto en mis dibujos y pinturas como en Mundo disperso. Me interesa la idea de Portal que pueda conectarnos con otro universo”.
Viajes, Spinetta y la poesía
Leonardo Cavalcante integra el colectivo Excursionistas, un proyecto con actitud nómade dedicado a realizar exposiciones de arte contemporáneo en distintos lugares prestando especial atención al entorno y dando cuenta del contexto donde se realizaba cada muestra.
“Actualmente estamos un poco frenados –repasa el artista–, pero fue un trabajo que hicimos con mucho placer y de un modo muy genuino. Pensar sobre las ciudades que visitábamos nos hizo relacionarnos de un modo muy particular con la idea de la excursión, y nos propuso la realización de un trabajo grupal con todo lo que eso implica. Hace uno o dos años estuvimos a punto de venir a trabajar con la ciudad de Córdoba, pero no lo pudimos concretar en ese momento y se ha diluido un poco”.  
Además de Cavalcante, los Excursionistas son Gabriela Böer, Mariano Combi, Marina Etchegoyhen, Gabriela Messuti, Tadeo Muleiro y Tatiana Sandoval. “Por el momento estamos con poco tiempo para la gestión del grupo –señala Cavalcante–, pero yo tengo el presentimiento de que pronto vamos a reactivarlo nuevamente, ya que seguimos siendo muy amigos y siempre estamos con la intención de volver a trabajar juntos.  
El creador de Mundo disperso también se desempeña en el campo de la creación musical. Tiene un disco de canciones que se llama Parpadeo, editado en 2015 (se puede escuchar ingresando a: leocavalcante.bandcamp.com), donde Cavalcante hace voz, guitarras acústicas, eléctricas y programación. 
¿Hay conexiones entre la música y su trabajo en artes visuales. “Me interesa la poesía –resume el artista–, y la entiendo de un modo un poco caprichoso. Siento que veo o escucho algo y puedo percibir si tiene poesía o no”.
“Luis Alberto Spinetta es un claro ejemplo de esto –añade–. Hizo música de estilos bastante diversos y sin embargo siempre mantuvo ese ‘corazón’ que uno siente en muchas de sus obras. Mundo disperso es el nombre de un tema de él y es un homenaje por parte mía, ya que es un artista que me ha acompañado mucho en la adolescencia y me ha influenciado mucho desde su actitud hacia la vida”.
“En mi caso llamo poesía a algo que yo pueda sentir que es genuino”, explica. Y remata: “Quizás el término correcto sea poética. Tanto en mi trabajo con la música como con las artes visuales tengo la idea de intentar unir elementos e ideas de manera tal de conformar una poética. A veces lo logro y todo cobra sentido. Otras no tanto porque la poética es un poco caprichosa también y uno no siempre puede dar con lo que quiere”.
Para ver. La feria Mercado de Arte arrancó ayer y se extenderá hasta el domingo, en el Cabildo (Independencia 30) y la plaza San Martín. Se puede visitar diariamente de 14 a 21. Todas las actividades son con ingreso libre y gratuito.
Fuente
http://vos.lavoz.com.ar

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